絵画の感想を言い合う場面で、話題にのぼることが一番多いのは、感情表現に関することじゃないでしょうか。

でも、ちょっと意外かも知れませんが、画家にとって感情表現はそれほど重要な問題じゃないんです。

そもそも、画家の創作活動において、感情表現の占める割合は、それほど大きくないんです。

今回は、画家はなぜ感情表現をあまり重視しないか。
その理由を中心に話していきます。

絵画に感情表現は必要か

絵画による感情表現は可能か

絵画を見たときに人が感動する第一原因が感情表現であれば、画家は感情表現をもっと重視します。
でも実は、そうでもないんです。

なぜなら絵画は、感情表現が苦手だからです。

もう少し詳しくお話しします。
人が本当に感動するのはどんなときでしょうか。

• 大きな優しさに触れたとき
• 偉大な愛を受けたとき
• 人並み外れた勇気を見たとき
• 強い使命感を感じたとき

人が感動する要素をいくつかあげてみましたが、これらはみな、
強く感情が揺さぶられるものです。

もし、実生活でこれらに触れたら、きっと強く記憶に残ることでしょう。

でも、絵画でこれらを表現することは、ほぼ不可能です。

そもそも絵画では、感情を伝えにくいからです。


本来未分化で分類しにくい感情を、絵画で伝えようとしたら、
まず、大まかに感情を分類する必要があります。

そして、分類した感情（喜怒哀楽など）を顔の表情や、身振りや、サインランゲージなどを駆使して、説明することになります。

そうすると絵画は、「感情の単なる説明図」になることがあります。


これでは絵画の存在意義が薄れてしまいます。

そもそも絵画を見たときに感情を強く揺さぶられて感動する場合
これは、芸術とは質の異なる部分に心が動かされたことが原因です。

絵画から受ける、純粋に芸術的な感動ではないことが多いのです。

人は絵画の何に感動するのか

ではいったい人は、絵画の何に感動するのでしょうか。

もちろん絵画の何に感動してもかまいません。
あなたの感性に基づいて、何に感銘を受けてもかまいません。
画家は、それも楽しみにしています。

でも今日のテーマで重要な点は、画家の本音ですから、

• 画家が考える、絵画から受ける感動とはなにか
• 画家はいったい何を重視しているのか

についてお話しします。

実際、感情表現の見事さに感銘を受ける作品もありますが､それらの作品は、「何度見ても飽きない」というものではないことが多いのです。

例外もありますよ。
例えば､ラファエロの聖母子像。
下の図版は、『草原のマドンナ（ベルヴェデーレのマドンナ）』 1506年 113cm×88cm 油彩、パネル　美術史美術館（ウィーン）です。

「崇高な感情の説明図」と見られる部分もありますが、
全体として、「対立関係の解消」が実現されていて、
実に生き生きとした存在感が感じられます。

例外はさておき、絵画を見たとき、人は何に感動しているのか。

結論は、

すみません、よくわかりません。

これが本音です。

でも画家は、絵を描くにあたって何が重要かはわかっていますよ。

それは、視覚以外の感覚を刺激するということです。

なぜなら、視覚情報だけでは人は感動しないからです。

絵画を観て感動するとき、人は視覚だけでなく他のすべての感覚、
「ものの見方」、「感じ方」、「過去の記憶」、「知識」、
その他もろもろを総合的に働かせた結果、感動します。

ですから、描くときも、観るときも視覚に頼りすぎないことが重要なのです。

もう一つ重要なことがあります。

それは、「絵画の基本機能」が果たされていることです。

絵画の基本機能とは、

• 周りの自然との折り合いをつけること

です。

周りの自然と折り合いをつけるとは、

目に見える対象（自分も含めて）と目に見えない対象（空間）との間の
対立関係を解消することです。

この「対立関係の解消」こそ人の心に安定をもたらす、
時代や地域や好みを超えて通用する、
普遍的原理だと、画家は考えているのです。

事実、人を感動させる作品は等しく、「対立関係の解消」が実現されています。


以上、”視覚以外の感覚を刺激する” と ”絵画の機能が果たされている（対立関係の解消が実現されている）” の2つが、
画家が知っている絵画に必要な最重要要素です。


更に画家は重要要素として、次のようなことも実現しようとしています。

• 見る人の想像力をどう刺激するか
• 美しさをどう実現するか
• 非日常的な感覚をどう刺激するか
• 現実を支えている反現実にどう気づかせるか

などです。

画家は解決すべき問題を山ほど抱えながら絵を描いているのです。
これらを解決することに比べたら、画家の創作活動全般の中で、
感情表現の占める割合は、それほど大きくはありません。



この問題については、現在出版中のKindle電子書籍でさらに詳しく解説しています。

興味のある方はぜひ、参考にしてみてください。

誰も教えてくれない『絵画の見方』 美術愛好家でも意外と知らない、一生役に立つ2つの極意

まとめ

感情表現は、絵画にとっては、それほど重要な要素ではありません。

そもそも絵画は、感情表現に向いていないからです。
それを無理に追求すると、「単純に分類された感情の単なる説明図」になりかねません。

たとえ、その見事な感情表現に感動できる作品でも、感情表現だけでは、何度も見ているうちに飽きてしまいます。

人が絵画を観て感動するときは、視覚以外のあらゆる感覚や、その他あらゆる力を総合的に働かせているので、絵画は描くときも観るときも、視覚に頼りすぎないことが重要です。

そして、画家がなによりも重要視していることは、絵画の基本的機能である、

『内的世界と外的世界とのつながりをつける』

つまり、対立関係の解消を実現することです。

これら2つに比べたら、絵画にとって感情表現は、それほど重要ではありません。



美術愛好家の皆さん、絵画を見るときには、このことも思い出してもらえるとうれしいです。

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あなたにはこんな悩みはありませんか。

1.一体何を基準にして、絵がわかるとか、わからないとか言っているのかわからない。
2.自分の感性に、あまり自信が持てない。
3.絵を評価するには、専門知識が必要なのかわからない。

あなたのこれらの悩み、全て誤解からきています。

1. に関しては、そもそも絵画はわかったりわからなかったりするものではありません。
絵画は、人の感性に共感するかしないかが重要なものです。

2.に関しては、そもそも人の感性の良し悪しを決める基準なんかありません。
重要なのは、自分の感性が人の感性と共感し合えるかどうかです。

3.に関しては、そもそも絵を楽しむのに美術の専門知識が必要なら、世の中の絵画は、美術の専門家のためだけのものになってしまいます。

今日は、この3つの誤解を中心に、その原因を解説し、いちばん大切なことについてお話します。

絵画がわかるとか、わからないとか言うことに意味はあるか

人がある美術作品を見たり聞いたりしたときに、「わかる」とか「わからない」とかいう場合、何を意味しているのでしょうか。
その作品に対する、すでに存在する解釈が理解できるかできないかが問題なのではなく、
あなた自信がその作品そのものを理解できるかできないかが問題のはずです。

でも、理解できるかできないかにどんな意味があるのでしょうか。

十分理解できたからといって、その絵に感動するかどうかは別の話ですよ。

極端な話、理解できようができなかろうが、人は絵に感動できます。

理解と感動はあまり関係がないのです。

絵画にとって重要なことは、「共感できるかできないか」です。

画家の感性に共感できるかできないか、
作品を見る人どうしが、お互いに共感し合えるかどうかが重要です。

だからといって、理解が無意味だと言いたいわけではありません。

なぜなら、理解を通して「共感の輪」が広がることもあるからです。

他人の解釈を聞いたり呼んだりしたときの『共感』が、あなたの絵を観る目を変えることだってあるかもしれません。

重要なのは、「理解だけでは何も変わりませんが、『共感』を伴うと、ものを見る目が変わる」ということです。

今日からは、絵画が「わかる」とか「わからない」とかに、もうこだわる必要はありません。
それよりも、あなたの感性に基づいて、『共感』できるかできないかを重視してみてください。

自分の感性に自信を持つことに意味はあるか

ひとがなにかに自信があるとき、何を根拠に自信があるというのでしょうか。

自信とは、「他人と比べるための一定の評価基準があり、それに基づいて、人から高い評価を得たときに得られるもの」と考えると、

感性に自信があるとは、ちょっとおかしなことになりませんか。

そもそも、感性の良し悪しを評価する一定の基準をつくることなんてできるでしょうか。

本来感性は、日々の積み重ねから成る各自の個性ですから、良し悪しを超えたものです。

それを比べることに、意味があるでしょうか。

そう考えると、感性に自信があるという言い方そのものがほとんどナンセンスに聞こえませんか。

重要なのは、感性に自信があるかどうかではなく、「人の感性への共感」です。



共感には、一時的なものもあれば、継続的なものもあります。
一時的な共感は単なる流行かもしれません。
継続的な共感は時代を経ても変わらない価値観に支えられているから継続しているのかもしれません。いずれにせよ、絵画を見るときに必要なことは、感性に自信があるかどうかではなく、その絵に共感できたかどうかです。
もちろんなにかに共感するには、感性が必要ですが、あなた自身が自分の感性に自信があるかどうかは、あまり問題ではありません。

ついでにお話しすると、感性を磨くという言い方をよくしますが、そもそも感性を磨くことなどできるものでしょうか。感性は様々な要素の長年の積み重ねでできたものですから、一時的な努力などで（どんな努力が必要かわかりませんが）どうこうできるものではありません。

先程もお話したとおり、感性は人と比べる必要もなければ、良し悪しの基準もはっきりしないものです。
そう考えると、急に磨けるようなものではないですよね。

やはり重要なことは、「画家の感性」への共感や、「作品を見る人の感性」への共感です。
そして最も重要なことは、あなたが自分の感性に基づいて絵を見るということです。
これがなければ共感は成り立ちません。
共感は、おたがいに自分の感性に基づいて絵を描いたり、絵を見たりする者同士の間でしか成り立たないことだからです。


あたり前のことですが、意外と忘れられています。



感性は唯一無二あなただけのものですから、特に自信を持つ必要も、自信をなくす必要もありません。あなたはただ、ご自分の感性を大事にすればいいだけです。

絵を評価するとき、知識があることに意味はあるか

絵を評価するのに、専門知識は必要か

絵を評価するのに美術に関する知識が必要かと言われれば、やはりある程度は必要です。実際のところ、その知識がないと絵の良さになかなか気づけないこともあります。ただ、昔の絵をみる場合、絵を見ているのは現代人の私達です。私達が、現代人の目で見て、現代人の感性で感じて、今の私達に必要なあたらしい解釈を創る、というのであれば、その知識は必要ないかもしれません。
それは、次のような知識のことです。



・西洋と東洋における、自然や、美や、絵画の存在意義などに対する考え方の違い
・西洋では近代まで主流だった、『絵画に意味を込めて、それを読む」というやり方に関する知識
・いくつかの表現原理に関する知識（これは、エジプトから、バロックの時代までに注目するとほとんどのパターンが出てきます）




参考までに表現原理を簡単にまとめてみます。

エジプト美術　　　知識に基づいて表現した
ギリシャ美術　　　自分の目に基づいて表現した
中世美術　　　　　自分の感じたことに基づいて表現した
ルネサンス美術　　人間中心に世界を見て表現した
バロック美術　　　説得の技術を駆使して、人を説得した

絵を見るのに必要な知識は、この程度で十分じゃないでしょうか。
これ以上の専門知識は、文字通り専門家にしか必要ありません。
知識は、あなたの興味に応じて必然的に増えていくのにまかせるのが自然です。



ただ、おすすめできないのは、あなたの感性を無視して知識を集めることです。これをやってしまうと、せっかくの知識が有機的につながりません。


人の感性に基づいて知識を集めたとところで、自分の知識として有機的につながるわけがありません。逆に、あなたの感性に基づいて知識を集めると、知識が有機的につながります。そうすると、因果関係が見えてきて、絵を見るときの助けになりますし、人に共感してもらうときや、人を説得するときの武器にもなります。

絵を評価するのに、知識の多さは必要か

知識が多ければ多いほど絵を心から楽しめるのであれば、それも一つの方法でしょう。でもそれは、絵を見ることそのことが楽しいというより、知識を集めること自体が楽しいだけかもしれません。それはそれで楽しいことだと思います。

　

でも、今ここで問題にしたいのは、絵を見ることの楽しさについてです。
絵を見て楽しみたいときにどれくらいの知識があればいいのでしょうか。
これについてお話しする前に、いま問題にしている知識を定義しておきます。



『美術全般に関する知識や、個々の絵画に関する知識』つまり、『概念的に把握できて、人に言葉で伝えられる知識』　これは、普通の意味での知識です。



ここで取り上げたいもうひとつの知識があります。それは、『目に見えず、概念的に把握しにくい知識』です。



前者を『目に見える知識』、後者を『目に見えない知識』、と仮に呼びます。



『目に見える知識』は、先程もお話したように、因果関係を探ったり、人を説得するときの武器になりますが、絵を見て楽しみたいときに必要なのは、むしろ、『目に見えない知識』の方です。『目に見えない知識』とは、唯一無二のあなたの感性を支えている、「様々な要素が複雑に絡み合い、長年積み重なってできた知識」のことです。この知識は、誰のものでもないあなたのオリジナルの知識です。この知識こそがあなたの楽しみの源泉です。ですから、『目に見えない知識』は、絵を見て楽しむためには不可欠な知識です。



ただ、『目に見えない知識』の多さは把握できるものではありませんから、この知識の多さ少なさが絵を見るときにどう影響するかはわかりません。



『目に見える知識』のほうは、武器として使うなら、多いに越したたことはありませんが、絵を見て楽しむためには多さは関係ありません。

まとめ

人が絵を心から楽しんでいるとき、その絵を「わかった」とは言いません。


絵の理解と感動は別のものです。人が絵を心から楽しんでいるときの感動は、『共感』からくるものです。ですから、絵画にとって重要なことは、「わかるかわからないか」ではなく、「共感できるかできないか」です。それも、自分の感性に基づいて「共感できるかできないか」です。人の解釈に基づいて絵を見たとき、理解はできても、共感できなければ、そこに感動はありません。



『共感』は、自分の感性に基づいて見たり描いたりする者同士の間でしか成り立ちません。ですから、絵を心から楽しみたければ、自分の感性を忘れないことです。



自分の感性は、唯一無二あなただけのものですから、必要以上に自身を持つ必要もなければ、自信を無くす必要もありません。ただ、自分の感性を大事にしましょう。



知識に関しては『目に見える知識』と『目に見えない知識』が必要になります。



『目に見える知識』とは、時代や地域の影響を大きく受けている知識で、絵の存在意義や表現原理に関する知識のことです。絵を理解するうえで、ある程度は必要な知識です。でもこの知識は、ひととおり把握できれば充分です。もしもあなたがこの知識を、ご自分の感性に基づいて集めたなら、それは有機的な知識となり、絵を見るときでも、共感を求めて人を説得するときでも、それはきっと役に立つでしょう。



『目に見えない知識』とは、あなたが長年かけて積み重ねてきた、あなただけのオリジナルの知識のことで、あなたの感性を根底で支えている知識のことです。この知識はあなたの楽しみの源泉でもありますから、絵を楽しむためには不可欠な知識です。



あなたが絵を楽しむうえで、障害となるものが少しでもなくなれば嬉しいです。

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芸術を見極めるための必須条件を詳しく解説

芸術を見極めるために必要なのは、たった1つの知識と、たった1つの感覚です。知識といっても、美術に関する書籍や解説書に載っているような知識ではありません。感覚も、特別なものではなく誰もが日常生活で普通に働かせている程度のものです。ところがこの２つは、芸術を見極めるには、必須の条件だったのです。

2つの極意を知るだけでも、あなたの鑑識眼がレベルアップします。

あなたは、画家という人間に興味がありますか。

画家は日頃、何を考え、何を感じ、何を目指しているのか、興味がありますか。

画家も、境遇、人間性、知的レベルなど、人それぞれですが、ものを見るということに関しては、ある似通った傾向があると思います。


そこで今回は、画家のものの見方の特徴を中心に、画家は、何を目指しているかについてお話します。

画家が物を見るときのクセ

画家は、普段の日常生活では、ものを普通に見ています。普通に見ているということは、感覚的な印象には特にこだわらずに、いわばパターンで物を見ているわけです。

パターンで物を見るとは、概念との組み合わせで物を見ることです。見ている対象とその名前とのセットで物を見ることです。

この状態は、ものを見ているとは言い難く、ものと名前の組み合わせのパターンを覚えていて、その記憶を使って会話をしたり、行動したりしているに過ぎません。

日常生活はそれで済みますが、画家が物を見るときは事情が違います。

画家には、

• 全体を一つのまとまりとして見る（物と物との関連性が気になる）

という傾向があります。

複数の対象を見るとき、ある物の形と、二つの物の間の空間の形が、いわば、同格に見えるので、全体が一つのまとまりに見えるわけです。すると必然的に物と物との関連性が、気になります。

実際に何かを見たとき、その対象を見ると同時に見られるという感覚を覚えるのです。これは、見るという行為は、見られるという事実があってこそ成り立つと感じているからだと思います。

また、その対象とその周りの空間との関係が気になります。これは、その対象を成り立たせている力と、対象の周りの空間の力とが釣り合っているからこそ対象を見ることができると感じているからだと思います。

いずれにせよ、何かを見たとき、見えるものを成り立たせている見えないものが気になるのです。これは、見えないものがあるからこそ見えるものが成り立つと感じているからです。

画家は何を目指しているのか

・全体を一つのまとまりとしてみる

という傾向のある画家は、見ることそのものが創造的な行為だと思っています。創造的という理由は、見ることによって、内的世界と外的世界とのつながりをつけることができると考えているからです。見ることによって、周りの自然との折り合いをつける事ができると考えているからです。

画家が物を見るとき、内的世界と外的世界との境界点に色を見ていると感じています。目に見えるもの（色）を成り立たせているものは、目に見えないものだと感じています。ですから、何かが目に見えること自体が、目に見えないものの存在を明らかにしていると感じています。

結局の所、画家は、『目に見えるものを掴むには、目に見えないものを掴むしかない』と感じているわけです。　その目に見えないものを掴むために色どうしの関係を利用するのです。　色どうしの関係がうまくいくと、『内的世界』と『外的世界を成り立たせている目に見えないもの』との間につながりがついたように感じるのです。


抽象的な説明でわかりにくかったと思います。すみません。もう少しお付き合いください。


画家は、『目に見えるものを成り立たせている目に見えないもの』を掴むには、色が重要な鍵を握っていると感じています。

つまり、目に見えている色どうしの関係がうまくいくと、目に見えないものをつかめると感じているのです。　色どうしの関係がうまくいくとは、『対立する力同士が、互いに損なうことなく、支え合っている』という関係が成り立つことです。　画家は、色によるこの関係を実現することを目指しています。

色どうしの対立関係が解消されたとき、画家は、そこに美を感じます。　これが、画家が絵を書く理由の一つです。

もちろん、線を主要手段として、この対立関係を解消しようとする画家もいると思います。　画家が絵を描く表面的な理由は、人それぞれだと思いますが、いずれにせよ、根本的な理由は、内的世界と外的世界とのつながりをつけることです。


＊表面的な理由のいくつかを挙げてみます。

• 意味を伝える（象徴的な意味をもたせたものや、約束ごととしての型を利用する）
• 目の楽しみを提供する
• 非日常性を提供する
• 感覚の広がりを提供する
• 心の安定の助けになるものを提供する
• 装飾的な美を提供する

まとめ

画家が目指していること

・『内的世界』と、『目にみえるものを成り立たせている目に見えない世界』とのつながりをつけること



それを実現する方法

１．『内的世界』と『外的世界』との境目に存在している色を捉える
２．その色どうしの関係を、『対立する力同士が、互いに損なうことなく支え合っている』という関係にする



画家の主張、本音

画家は、個人的な観察の単なる記録者ではありません。人が何かを観察し、その結果を記録するだけなら、図解入りの、言葉による説明のほうが、はるかに目的にかなっていると思われます。　言葉で説明するほうがうまくいくことは、画家の仕事ではありません。

画家の仕事は、あくまでも絵を描くことです。絵画でしかできないことを伝えることです。　たとえ表面的には、意味を伝えることを目的とするときでも、そのことに変わりはありません。　

絵画にしかできないこととは、ものを見るための助けになるものを実現することです。　これは、『内的世界』と『外的世界』とのつながりをつけることです。

画家は、ものを見るとは『内的世界』と『外的世界』とのつながりをつけることだと考えています。　画家は、ものを見ることを通して感じたことを実現しようとします。　このことは、写実絵画であろうと抽象絵画であろうと、変わりはありません。　画家は、ものを見たからこそ絵を描くのです。　決して頭の中での勝手な空想から始まることはありません。見たことを実現するために絵を描いています。

画家が紙やキャンバスといった平面上で、自分が見たことを実現しようとする時、画面は現実とは別のもうひとつの世界です。
この世界では、自由な強調やデフォルメなどが可能です。

そして、画面という現実とは別のもう一つの世界をみたときの感覚が、ものを見るための助けになると考えています。


『ものを見るための助けになるものを実現すること』
これが、本質的な意味での、画家が目指すことです。

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芸術を見極めるための必須条件を詳しく解説

芸術を見極めるために必要なのは、たった1つの知識と、たった1つの感覚です。知識といっても、美術に関する書籍や解説書に載っているような知識ではありません。感覚も、特別なものではなく誰もが日常生活で普通に働かせている程度のものです。ところがこの２つは、芸術を見極めるには、必須の条件だったのです。

2つの極意を知るだけでも、あなたの鑑識眼がレベルアップします。

あなたは、画家が色を使うとき、何を考え、何を感じ、色に何を求めているかご存知ですか。
今回は、
画家は色をどう捉えているか、
画家は色に何をさせたいのか、
画家は色にどんな可能性を感じているのか、などについて、お話しします。

画家と色彩の関係

色に関する学問的成果と画家の関係

色に関する、様々な研究成果や、視神経の生理的反応に関する研究成果は、画家に画家にどんな影響を与えてきたでしょうか。

画家はそれらの研究成果を、参考にし、都合が良ければ取り入れ、さもなけば、無視したりしてそれらと付き合ってきました。
科学的に解明されたことは、色の秘密のごく一部にすぎないと思っているので、科学的研究成果は、参考にする程度です。

画家と色との関係は、あなたが考えるより複雑で微妙です。

色は、客観的に把握できる物理的現象としての側面をもつからといって、それが人に与える影響も、客観的にとらえられるとは限りません。

知覚能力、好み、性格、文化的背景、地位、年齢、性別、などに応じて、色から受ける影響は人それぞれです。

画家は、そんな捉えにくい色の本質に迫りたいと思っています。

『色は、自然の秘密を解く鍵』

と画家は考えています。

『色は、人間には経験しきれない無限の法則に満ちている』

と画家は考えています。

ですから、画家にとって科学的研究成果などは、色の秘密のごく一部にすぎないのです。

画家は色をどう捉えているか

画家は色をどうとらえているのでしょうか。

『自然みずからが、その秘密の一部を、色を通して示している』

と考えています。

『人間が周りの自然と折り合いをつけるための手がかりを、自然は、色で示してくれる』

と考えています。

そう考える理由は、色が、人間の感覚や、感情や、体調に与える影響があまりにも大きいためです。

例えば、人間が自然に対して、引き寄せられたり、避けたくなったりするきっかけになる情報は、色ではないでしょうか。

また、自然環境の変化を我々が知ることができるのも色の変化がきっかけです。


では、画家が色を使うときは、色をどう考えているでしょうか。

画家の目的が、現実の色の再現でない以上、色を、表現手段の一つとして使おうと考えます。
そうすると、色の使い方は、基本的には画家の目的次第です。

画家の目的が何であれ、色がもつ次の法則

『色は、その隣に置かれた色との関係に応じて見え方が変化する』

この法則を利用しない画家はいません。

この、『色は関係において成り立つ』

という色の本質を踏まえたうえで、画家たちはそれぞれ独自の工夫をしています。

画家は色で何をしようとしているのか

色に込めた意味を伝えるという目的でしか色を使えなかった時代の画家は、その目的の大部分は意味の伝達だったため、色どうしの関係よりも色に込めた意味同士の関係のほうが、重要でした。

画家が色を使って独自の表現を試み始めたのは、ルネサンス以降です。

画家たちの目的はそれぞれ違っていても、色それ自身が持つ力を、表現のために利用し始めたわけです。
つまり色どうしの関係を使って、表現し始めたわけです。

ルネサンス以降のおもな画家が、色を使って何をしようとしたか、いくつか例をあげてみます。

このように、歴代の画家たちがそれぞれ異なる目的のために、色を使ってこれたのは、色の無限の可能性、無限の多様性を信じていたからです。

色の可能性、多様性を支えているのが、先程もお話した、

『色は関係において成り立つ』

という本質的な性質です。
この性質のおかげで、画家の様々な表現が可能になるわけです。

画家は色にどんな可能性を感じているのか

色は画家にとって、最大の謎です。
どんなに、色に関する科学的な研究が進んでも、

『色は、人の経験の及ばない無限の法則に満ちている』

と画家は感じています。

色彩効果を狙ってやれることも少しはありますが、それは、色の秘密のごく一部にすぎませんから、生き生きとした存在感を実現するには、まだ知られていない色の可能性を模索するしかないと感じています。

色の可能性と言っても、無から有を生み出す可能性ではなく、ただ我々がまだ知らないだけの、色の潜在能力のことです。

その潜在能力を探るに当たって、忘れてはならないのは、

例の、『色は、関係において成り立つ』

という色の本質的性質です。

もし、色をめぐる関係を無限につくれるなら、色の潜在能力も無限にあるだろうと想像するわけです。


先ほど私は、

『自然みずからが、その秘密の一部を、色を通して示している』

と言いましたが、逆に画家が、色の潜在能力の発見を通して、自然の秘密の一部を知るわけです。

色を表現手段として使う画家にとって、色の潜在能力の発見は、この上ない喜びです。
私も色がうまく使えると、自然の秘密の一部を垣間見た感覚を覚え、いつも興奮します。

色は無限の潜在能力に満ちています。
画家は日々、その発見を目指しています。

まとめ

人が色から受ける影響は人それぞれなので、色は科学的研究の成果にもかかわらず、客観的には捉えにくいものです。

しかし、『色は、自然の秘密を解く鍵』

と感じている画家は、色の無限の潜在能力を探り続けています。そのときに手がかりとなるのが、

『色は関係において成り立つ』

という色の本質的性質です。

この性質を応用して、歴代の画家たちは、独自の目的を実現するために様々な表現を試みてきました。

これは、色の潜在能力を発見する努力でもあり、その成果は、自然の秘密の一部を知ることです。



絵を見るとき、画家が色に対して何を感じ、何を考え、何を求めているかに注目すると、あなたの絵を見る目は、必ず変わりますよ。

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まず最初に言葉の意味を少し整理させてください。
リアルを次に２つに分けます。

• 現実のあるがままのリアル（現実の存在ものそのものに対する実感）
• 表現のリアル

そして、表現のリアルとは、創作物に込められたリアルのことで、

• 真に迫った現実感が感じられること
• 生き生きとした存在感にあふれていること

などと言えます。

創作物に感じるリアルは、次の２つに分けます。

1. 現実には存在しないもの（例えば、天使や、龍や、ユニコーンといった、想像上の存在）に対して感じるリアル
2. 現実に存在するものの再現に対して感じるリアル

１．に関しては、現実には存在しないものに対する脳内イメージと表現が一致したとき、生き生きとした存在感を感じます。

今回の話の中心は、２．に関してです。

現実に存在するものの再現ですぐに思い浮かぶのは、バーチャル・リアリティです。
現実の体験ではないにもかかわらず、脳内臨場感は、実体験とほとんど変わりません。
もし、人間の創作物がめざすリアルが、実体験に近い体験の、脳内での再現のみだったなら、その最終ゴールは、ヴァーチャル・リアリティといってもいいですよね。

もう一つ思い浮かぶものは、写真です。
19世紀はじめに、写真が登場したとき、もし、画家のめざすリアルが、現実の形の、寸分たがわぬ再現のみだったなら、その最終ゴールは、写真だったはずです。
写真の登場をもって、画家の仕事は終了です。ですが、それ以降も画家は、写実絵画を描き続けています。

それでは画家は、現実に存在するものの再現を通して、何を実現したいのでしょうか。

それは、生き生きとした存在感の実現です。

それにはどうすればいいのでしょうか。

結論を言いますと、

視覚情報に頼りすぎない。

ということです。

実際、現実の存在そのものに対する実感は、視覚、視覚以外の感覚、知識、無意識、体験、記憶、感情、その他もろもろを、総動員して作られます。

表現のリアル（生き生きとした存在感）の実現にも、視覚以外のもろもろが必要なはずです。

そこで今回は、表現のリアルの実現のためには、写真と絵画どちらが有利かについてお話しします。

表現のリアルを実現するには、写真と絵画どちらが有利か

形の描き方を写真に学ぶと、写実絵画は、生き生きとした存在感を獲得するか

実物を肉眼で見るときと、写真に写された同じものを見るときとでは、決定的な違いがあります。

それは、「実物を見るときは、視覚以外の感覚も総動員して見ますが、写真の画像を見るときは、見ているものは、あくまでも画像ですから、視覚情報に頼るしかない」という点です。

ですから、実物そっくりに描かれた写実絵画が、写真に近いものになればなるほど、その印象は、実物からどんどん遠ざかっていきます。

視覚情報に頼りすぎると、
生き生きとした存在感が失われていくわけです。

生き生きとした存在感を実現するには、視覚以外の感覚も刺激する工夫が必要だということがわかります。

色の使い方を写真に学ぶと、写実絵画は、生き生きとした存在感を獲得するか

写真に再現された色は、我々が、実物を見たときの色の印象とは異なります。

決定的な違いは次の2つです。

• 写真の色は、ほとんどの場合、複雑で微妙な色合いが抜けてしまっている
• 写真では、すべての色が、ほぼ均一に再現されてしまう

この事実から、写真の色をそのまま使うわけにはいかないことがわかります。

なぜなら、絵画で生き生きとした存在感を実現するには、複雑で微妙な色合いが不可欠ですし、すべての色を均一な状態で使ってしまうと、色彩による感情表現もできにくくなるからです。

ちなみに複雑で微妙な色の変化は、光の劇的な効果が欲しいときには不可欠な要素です。

また複雑で微妙な中間色調は、無限の多様性の実現にはなくてはならない要素です。

以上のことから生き生きとした存在感を実現するには、写真に再現された色はあまり参考にはなりません。

遠近法や構図を写真に学べば、写実絵画は、生き生きとした存在感を獲得するか

写真は、例えば風景写真などは、自然の一部を切り取った画像ですから、それらは自然の断片にしか見えず、実際の自然を見たときの開放感を感じることはできません。

ですから、写実的な風景画で、写真と同じ構図を採用すると、自然の一部を切り取ったことからくる閉塞感に邪魔され、生き生きとした感覚を実現しにくくなります。

そこで画家は、

• 遠近法を画面の数カ所にいれる
• 遠近法をわざとゆがめる
• 描こうとする対象の実際の配置を変える

など、いろいろ工夫して、画面を開放的にすることがあります。

生き生きとした存在感を実現するには､写真どおりの遠近法や、構図は、あまり参考にはなりません。

まとめ

今回は、写実絵画で、表現のリアル（生き生きとした存在感）を実現するために必要なことを、写真との比較を通して考えてみました。

写真を参考にして、形や、色や、構図を決めても、写実絵画が、生き生きとした存在感を持つとは限りません。

生き生きとした存在感を実現するには、いくつかの工夫が必要です。

• 視覚情報に頼りすぎない工夫が必要
• 視覚以外の感覚を刺激する工夫が必要
• 複雑で微妙な色使いが必要
• 画面を開放的にする工夫が必要
• 想像力を刺激する工夫が必要

単に写実的な絵画よりも、象徴的な、再構成された、絵画のほうが、より生き生きとした存在感を持つ理由は、これらの工夫がされているからです。

画家たちのこれらの工夫に注目して見ると、写実絵画の魅力により深く触れることが出来ると思います。

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その原因は、たった2つの極意を知らないからだった！

芸術を見極めるための必須条件を詳しく解説

芸術を見極めるために必要なのは、たった1つの知識と、たった1つの感覚です。知識といっても、美術に関する書籍や解説書に載っているような知識ではありません。感覚も、特別なものではなく誰もが日常生活で普通に働かせている程度のものです。ところがこの２つは、芸術を見極めるには、必須の条件だったのです。

2つの極意を知るだけでも、あなたの鑑識眼がレベルアップします。

もしあなたが、絵画をどう評価していいか迷っているなら、解決策は次の3つです。

1. 今まで絵画はどう評価されてきたか、その根本原理を知る
2. 絵画を評価するための、世界統一基準を考える
3. 世界統一基準を踏まえた上で、自分なりの批評を実践する

この3つで、あなたは自分の評価に自信が持てるようになります。

あなたは今まで、すべての絵画を同じ基準で評価しようとしたことはありませんか。
時代や場所を超えてすべての絵画を評価できる基準があれば便利ですよね。
でも、時代や地域によって存在意義も目的も違う絵画をすべて同じ基準では評価できません。
そこでまず、絵画はこれまでどう評価されてきたか。
大きく分けて、東洋と西洋ではどんな違いがあったか。
という点から、お話します。

絵画を評価するために必要なこと　

西洋と東洋での事情の違いを知る

西洋では、「絵に意味を持たせて、それらを読む」というやり方で、描き手と受け手との間で情報のやりとりをするために絵画が使われてきました。
つまり絵画は、コミュニケーションの手段だったわけです。
例えば、

• 描かれたものの象徴的な意味
• サインランゲージのような身振り言葉
• 顔の表情や、身振りによる感情表現

と言ったことに関する知識を、描き手と受け手との間で共有していたわけです。

画家はこれらを駆使して意味を伝え、見る者は、その意味を読み取る。
というのが一般的だったわけです。
ですから、よい絵とは必然的に、よりよく意味を伝えられた絵、よりよく人を説得できた絵、ということになります。
例えば、バロック絵画などは、見る者を雄弁に説得する技術の典型です。

でもこれは、西洋での事情であって東洋では事情が違います。
その理由は、そもそも東洋では絵画の存在意義そのものが違ったからです。

そこで、西洋と東洋での自然や美に対する考え方の違いや、絵画の存在意義の違いなどを大まかにまとめてみます。

これほど、西洋と東洋では自然や絵画に対する考え方が違っています。
でも、「絵画に意味を込めて、それを読む」という西洋のやり方は、誰にでも説明できるものですし、そうなると、どこででも通用するという強みが出てくると思いませんか。

西洋のこの傾向は、近代まで続きます。
ここで、エジプト時代からバロックの時代まで、
表現原理の変遷をたどってみます。

このように、表現原理の変遷はあるものの、近代以前までの西洋では、「絵に意味を込めて、それを読む」というやり方が中心的でした。

ですが、描き手と受け手との間の知識（サインランゲージ的な身振り言葉や、ものに込めた象徴的な意味などの知識）の共有が、時代とともに失われてくると、コミュニケーションが難しくなってきます。
これでは、「誰にでも、どこででも通用する」というわけには行きません。

現に近代以降、説明や説得の技術よりも、純粋に造形的な方面を評価するようになってきます。

近代以降は、絵画の購買層が変わったこともあって、画家たちは、自分の好きなものを好きなように表現するようになります。
印象派の画家たちの登場です。

では、印象派以降の画家たちは、絵画の評価基準をどう変えていったのでしょうか。
「誰にでも、どこででも通用する」という評価基準はあったでしょうか。

まずは、セザンヌから。
彼は、一つの革命を起こします。
それは、西洋の画家たちが、あれほど熱中していた遠近法から離れたことです。
彼はなんと、『線遠近法によらない、色彩による奥行き表現』と『構図』の調和を実現したのです。

その後マティスは、『色彩の相互関係』を重視し、そこに、何ものにも勝る美の基準を見いだしました。

それからというもの、画家たちの様々な試みは、めまぐるしく変遷します。

• デュシャンを代表とする『視覚のためのアート』から『思考のためのアート』への移行。つまり、『目で鑑賞するアート』から『頭で鑑賞するアート』への移行。
• ポロックに代表される。『イメージを喚起させる絵画』から『物質そのものとしての絵画』への移行。
• ウォーホールによる「オリジナル」と「コピー」の境界線の破壊。
  または、「アート」と「アートでないもの」との境界線の破壊。

   

このように見てくると、「絵に意味を込めて、それを読む」という西洋本来の評価の基準の変種といった感じですね。
その中でも、セザンヌとマティスは、特に意味や説明を求めたわけではなかったことがわかります。
それでは、「誰にでも、どこででも通用する」という評価基準は、どこに求めればよいでしょうか。

絵画を評価するための世界基準とは

西洋美術の評価基準や、東洋美術の評価基準や、ローカル美術の評価基準など、当然いろいろあっていいと思いますが、現代は、世界基準が求められる時代です。
世界各地で一時的な流行が起こるのも楽しいものですが、これだけ世界が狭くなった現代です。
世界基準を考える価値はあると思います。

西洋と東洋をつなぐ基準を考えたとき、
普遍的なものや本質を求める傾向は、西洋にも東洋にも昔からあったことは事実ですから、「普遍的な真理を追求した作品かどうか」を世界基準のひとつにしてはどうでしょうか。


それでは、絵画において追求すべき真理とは何でしょうか。

それは、絵画の基本的機能が充分に働いていることです。

それでは、絵画の基本的機能とは何でしょう。

それは、私の考えでは、周りの自然との折り合いをつけること、「内的世界と外的世界とのつながりをつける」ことです。
これがよりうまくいったときが、絵画において真理が実現されたときです。


おなじみのジャンルの作品（宗教画、風俗画、風景画、静物画、肖像画など）のなかにも、特定のジャンルに属さない次のような作品の中にも、真理追究の実例を見ることができます。

• 本物の現実を追求した作品
• 美・愛・死を追求した作
• 生命原理を追求した作品

何を追求した作品であっても、「内的世界と外的世界がよりうまく繋がっている作品」こそが世界基準に見合った作品です。

このような作品は、副次的に、次のことをもたらします。

• プリミティブな感覚
• 呪術的な感覚
• 論理では割り切れない感覚
• 生きる喜び
• 心の安定

「内的世界と外的世界とのつながりをつける」これはどういうことでしょうか。
他の言い方をすれば、それは、『対立する力どうしが、互いに損なうことなく、支え合っているという関係を実現する』ということです。

抽象的な言い回しですみません。

この対立関係の解消は、日ごろ日常生活では、よく経験することだと思います。
例えば、

• 悪化していた人間関係が解消されたとき
• 病気から回復したとき
• 仕事の行き詰まりから脱したとき
• 困難な目標を達成したとき

これらのとき、対立関係の解消を実感することがあるのではないでしょうか。

日常生活では、対立しあっているものが具体的にイメージしやすいものなので、対立関係の解消も、イメージしやすいと思います。

ではあなたは、絵画における対立関係を考えてみたことってありますか。

ちょっとイメージしにくいかもしれませんが、実は、絵画の画面上は、対立関係であふれています。

例えば、

• 造形要素（線、色彩、明暗）間の対立。
• 形どうしの対立。
• 構図間の対立。
• 絵の具と支持体との対立。
• 描かれているものと描くために使われた材料との対立。
• 描かれているものと描き方との対立。

他にも挙げればきりがありません。
つまり、対立関係があまりにも多すぎるため、それをイメージしにくいわけです。
ですから、絵画における対立関係を捉えるには、ちょっとコツがいるのです。

それは、画集などで絵画の図版を見るとき、逆さまにして見てください。
普通人間は、絵画や写真などを見ると、無意識のうちに何が描かれているかが気になるものですが、何が書かれているかに気が行ってしまうと、対立関係に気づきにくくなります。

そこで、図版を逆さまに見たときの、描かれているものをすぐには把握できない一瞬を利用して、次の二つをやってみてください。

• ものの形として形を見るのではなく、色の形として見る。
• 線を、かたちを構成している線として見るのではなく、線そのものとして見る

これをやってみると、色の形どうしの思いがけないつながりや、線そのものどうしの思いがけないつながりなどが見えてきますよ。

そのあとで、逆さまの図版をもとにもどすと、今まで見落としていた対立関係や、それらを画家たちが、どう解消しようとしたかが見えてきますよ。



対立関係の解消がうまくいっているかどうかが気になってくると、絵画を評価するための世界基準はもうあなたのものです。

絵画を自分なりに評価する方法

まずはじめに、これだけは声を大にして言いたいことがあります。

最強の批評方法を決して忘れないでください。
それは、『自分の感性に基づいて作品を見る』です。

なぜなら、絵画は間違いなく、それを見る人のためのものだからです。

あなたが絵画を見るときは、絵画はあなたのためのものなのですから、あなたの自由に見ることが最優先されなければなりません。

他の誰でもなく、あなたの感性に基づいてみることが、最優先されなければなりません。

画家の意図がどうあれ、それが受け手に伝わるかどうかは、画家の責任ですから、受け手はまず、自分の感性に基づいて見ることが大切です。

たとえ画家が、そこに何を込めようが、絵画は結局のところ、大きく分類して、
楽しむためのものですから、受け手の主体性が、最優先されるべきです。

このことを踏まえていただいた上で、実践です。

しつこいようですが、まずは、自分の感性に基づいて作品を見ましょう。

絵の見方に良いも悪いもありません。

これは古今東西、未来永劫、変わることはありません。

はじめは、人が共感しようが、しまいが、かまいません。

自分の感性だけは、本当に大切にしてください。
その上で、自分がいいと思った理由を追及し、他の人も説得できたら、それこそ本物の批評です。

次に、世界統一基準のことも、気にかけてみてください。

『対立する力どうしが、互いに損なうことなく、支え合っているという関係が実現されているかどうか』　です。

対立関係が解消されているかどうかは、日常生活では、良く経験することですから、その視点を絵画（芸術）にも向けてもらうだけでいいのです。

以上の二つを実践してもらうと、あなたは間違いなく次の二つを手にすることになります。

• あなた独自の批評眼
• 絵画（芸術）を見るときの試金石

是非、実践してみてください。

まとめ

東洋と西洋とでは、絵画の存在意義の違いや自然や美に対する考え方の違いがあります。でも、昔から、普遍的なものや本質を求める傾向が東洋にも西洋にも間違いなくありました。
そこで今回は、絵画を評価するための世界統一基準の可能性を探ってみました。

それは、絵画の基本的な機能、つまり、
絵画が、内的世界と外的世界のつながりをつけてる。
絵画が画面上の対立関係を解消している。

これがうまくいっているかどうかを世界基準としました。

そして、実際に絵画を評価する場面では、

• 自分の感性に基づいて見る
• 世界基準を時々気にかける

これを実践してくだされば、絵画（芸術）鑑賞の楽しみが、さらに深まるはずです。

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芸術を見極めるための必須条件を詳しく解説

芸術を見極めるために必要なのは、たった1つの知識と、たった1つの感覚です。知識といっても、美術に関する書籍や解説書に載っているような知識ではありません。感覚も、特別なものではなく誰もが日常生活で普通に働かせている程度のものです。ところがこの２つは、芸術を見極めるには、必須の条件だったのです。

2つの極意を知るだけでも、あなたの鑑識眼がレベルアップします。

美術愛好家の皆さん。もしもあなたが、絵画の鑑賞方法に悩んでおられるなら、画家の立場からひとこと言わせてください。


絵画は、自分の感性に基づいて見てください。
人が共感しようが、しまいが、構いません。

絵画の見方に、良いも悪いもありません。
自分がいいと思ったら、そこに注目する。これが最強の方法です。
なぜなら、絵画はあくまでも、見る人のためのものだからです。

これに加えて、もう一つ上の楽しみ方があります。
それは、「自分のものの見方を、他人と共有する」という方法です。

自分が気に入った作品の良さを、他の人にも納得させることが出来たら、絵画見る楽しみが、さらに増すと思いませんか。
しかもこれは、立派な絵画の批評になります。


「自分の感性に基づいて見る」
この最強の鑑賞方法だけは忘れないでほしいです。

それでは、絵画鑑賞の4つのポイントをお話します。

好きな点、嫌いな点に注目する。

好きな点、嫌いな点、と言ってもいろいろあると思います。
何でもかまいません。
好きなジャンル。好きな作家。好きな画材。好きな筆遣い。
まずは、好きな点を探しましょう。
嫌いな点は、自由に突っ込みを入れながら、探してみてください。
なかには、はじからツッコミだらけという絵もあるかもしれません。

好き嫌いに注目することの効果は、自分の感性が何に反応するかが、はっきりしてくることです。
これがわからないままでは、何も始まりません。

細部に注目する

あなたは絵画を見るとき、細部に注目しますか。

そもそも画家は、細部の表現にはかなり気を遣います。
細部がどれほど画面全体に影響を与えるかを知っているからです。

ですから、細部に注目すると、画家の考えが見えてくる場合があります。

・画面に近寄ったとき見えていた細部が、遠ざかったときにどうなるか。

・もしも、注目した細部が、他の表現をされていたら、画面全体はどう
変わってしまうか。

・画面上のある線、ある形の位置が少しずれたら画面全体にどんな影響
を与えるか

これらは、細かなことだと思われるかもしれませんが、
画家が最新の注意を払う点です。　

是非、細部に注目してみてください。

造形要素に注目する

絵画の場合、線、明暗、色彩、等が造形要素になります。

画面に書かれているものの形や、意味をつかむより、線や色に注目してみませんか。

画家は、線や色彩を、一種のコミュニケーションの手段と考えています。
線や色にこだわらない画家はいません。
なぜ、こんな線やこんな色を使ったのか想像しながら見ると、画家のこだわりが見えてきます。

是非、線や、色彩や、明暗と言った造形要素に注目してみてください。

購入して部屋に飾りたいかを考える。

絵画は、基本、飾って見るためのものです。

もしもあなたが、自宅に絵を飾るとすると、どんな絵を選ぶか想像してみませんか。　　
ギャラリーや美術館などで鑑賞するのと、購入して自宅でながめるのとでは、絵に対する思い入れは、断然違ってくるはずです。

お金を払ってでも買いたくなる絵はどれか、と考えながら見ていくと、自分の好みの傾向について新たな発見があるはずです。

自分の部屋に絵を飾ると、嫌でも毎日見ることになります。
初めのうちは面白かったインパクトのある絵柄も、毎日見るうちに飽きてくるようでは、お金を払った甲斐がありません。

購入して部屋に飾りたいかどうかを考える理由は、毎日見ても見飽きない絵を見つけるためです。

何度見ても見飽きない。何度見ても想像力を刺激される。こんな絵が見つかれば最高ですよね。

是非、自分が購入したいかどうかを考えながら絵を見てみてください。

まとめ

今日おすすめした4つのポイントは、美術館でも、ギャラリーでも、画集を見ているときでも、いつでも使える実践方法です。

最初にお話しした「自分の感性に基づいて見る」ことは、最強の鑑賞方法です。
これに合わせて、次の4つのポイント

・好きな点、嫌いな点に注目する
・細部に注目する
・造形要素に注目する
・購入して部屋に飾りたいかを考える

を実践すると、間違いなくあなたに批評眼が身につきます。
なぜならあなたは、自分の目で見て、自分の感性に基づいて観察して、何度見ても見飽きない絵を探し当てたわけですから。

今度は、あなたのものの見方を、他の人にも納得させることができれば、これこそ絵画鑑賞の醍醐味ではないでしょうか。

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芸術を見極めるための必須条件を詳しく解説

芸術を見極めるために必要なのは、たった1つの知識と、たった1つの感覚です。知識といっても、美術に関する書籍や解説書に載っているような知識ではありません。感覚も、特別なものではなく誰もが日常生活で普通に働かせている程度のものです。ところがこの２つは、芸術を見極めるには、必須の条件だったのです。

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