絵画の感想を言い合う場面で、話題にのぼることが一番多いのは、感情表現に関することじゃないでしょうか。

でも、ちょっと意外かも知れませんが、画家にとって感情表現はそれほど重要な問題じゃないんです。

そもそも、画家の創作活動において、感情表現の占める割合は、それほど大きくないんです。

今回は、画家はなぜ感情表現をあまり重視しないか。
その理由を中心に話していきます。

絵画に感情表現は必要か

絵画による感情表現は可能か

絵画を見たときに人が感動する第一原因が感情表現であれば、画家は感情表現をもっと重視します。
でも実は、そうでもないんです。

なぜなら絵画は、感情表現が苦手だからです。

もう少し詳しくお話しします。
人が本当に感動するのはどんなときでしょうか。

• 大きな優しさに触れたとき
• 偉大な愛を受けたとき
• 人並み外れた勇気を見たとき
• 強い使命感を感じたとき

人が感動する要素をいくつかあげてみましたが、これらはみな、
強く感情が揺さぶられるものです。

もし、実生活でこれらに触れたら、きっと強く記憶に残ることでしょう。

でも、絵画でこれらを表現することは、ほぼ不可能です。

そもそも絵画では、感情を伝えにくいからです。


本来未分化で分類しにくい感情を、絵画で伝えようとしたら、
まず、大まかに感情を分類する必要があります。

そして、分類した感情（喜怒哀楽など）を顔の表情や、身振りや、サインランゲージなどを駆使して、説明することになります。

そうすると絵画は、「感情の単なる説明図」になることがあります。


これでは絵画の存在意義が薄れてしまいます。

そもそも絵画を見たときに感情を強く揺さぶられて感動する場合
これは、芸術とは質の異なる部分に心が動かされたことが原因です。

絵画から受ける、純粋に芸術的な感動ではないことが多いのです。

人は絵画の何に感動するのか

ではいったい人は、絵画の何に感動するのでしょうか。

もちろん絵画の何に感動してもかまいません。
あなたの感性に基づいて、何に感銘を受けてもかまいません。
画家は、それも楽しみにしています。

でも今日のテーマで重要な点は、画家の本音ですから、

• 画家が考える、絵画から受ける感動とはなにか
• 画家はいったい何を重視しているのか

についてお話しします。

実際、感情表現の見事さに感銘を受ける作品もありますが､それらの作品は、「何度見ても飽きない」というものではないことが多いのです。

例外もありますよ。
例えば､ラファエロの聖母子像。
下の図版は、『草原のマドンナ（ベルヴェデーレのマドンナ）』 1506年 113cm×88cm 油彩、パネル　美術史美術館（ウィーン）です。

「崇高な感情の説明図」と見られる部分もありますが、
全体として、「対立関係の解消」が実現されていて、
実に生き生きとした存在感が感じられます。

例外はさておき、絵画を見たとき、人は何に感動しているのか。

結論は、

すみません、よくわかりません。

これが本音です。

でも画家は、絵を描くにあたって何が重要かはわかっていますよ。

それは、視覚以外の感覚を刺激するということです。

なぜなら、視覚情報だけでは人は感動しないからです。

絵画を観て感動するとき、人は視覚だけでなく他のすべての感覚、
「ものの見方」、「感じ方」、「過去の記憶」、「知識」、
その他もろもろを総合的に働かせた結果、感動します。

ですから、描くときも、観るときも視覚に頼りすぎないことが重要なのです。

もう一つ重要なことがあります。

それは、「絵画の基本機能」が果たされていることです。

絵画の基本機能とは、

• 周りの自然との折り合いをつけること

です。

周りの自然と折り合いをつけるとは、

目に見える対象（自分も含めて）と目に見えない対象（空間）との間の
対立関係を解消することです。

この「対立関係の解消」こそ人の心に安定をもたらす、
時代や地域や好みを超えて通用する、
普遍的原理だと、画家は考えているのです。

事実、人を感動させる作品は等しく、「対立関係の解消」が実現されています。


以上、”視覚以外の感覚を刺激する” と ”絵画の機能が果たされている（対立関係の解消が実現されている）” の2つが、
画家が知っている絵画に必要な最重要要素です。


更に画家は重要要素として、次のようなことも実現しようとしています。

• 見る人の想像力をどう刺激するか
• 美しさをどう実現するか
• 非日常的な感覚をどう刺激するか
• 現実を支えている反現実にどう気づかせるか

などです。

画家は解決すべき問題を山ほど抱えながら絵を描いているのです。
これらを解決することに比べたら、画家の創作活動全般の中で、
感情表現の占める割合は、それほど大きくはありません。



この問題については、現在出版中のKindle電子書籍でさらに詳しく解説しています。

興味のある方はぜひ、参考にしてみてください。

誰も教えてくれない『絵画の見方』 美術愛好家でも意外と知らない、一生役に立つ2つの極意

まとめ

感情表現は、絵画にとっては、それほど重要な要素ではありません。

そもそも絵画は、感情表現に向いていないからです。
それを無理に追求すると、「単純に分類された感情の単なる説明図」になりかねません。

たとえ、その見事な感情表現に感動できる作品でも、感情表現だけでは、何度も見ているうちに飽きてしまいます。

人が絵画を観て感動するときは、視覚以外のあらゆる感覚や、その他あらゆる力を総合的に働かせているので、絵画は描くときも観るときも、視覚に頼りすぎないことが重要です。

そして、画家がなによりも重要視していることは、絵画の基本的機能である、

『内的世界と外的世界とのつながりをつける』

つまり、対立関係の解消を実現することです。

これら2つに比べたら、絵画にとって感情表現は、それほど重要ではありません。



美術愛好家の皆さん、絵画を見るときには、このことも思い出してもらえるとうれしいです。

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その原因は、たった2つの極意を知らないからだった！

芸術を見極めるための必須条件を詳しく解説

芸術を見極めるために必要なのは、たった1つの知識と、たった1つの感覚です。知識といっても、美術に関する書籍や解説書に載っているような知識ではありません。感覚も、特別なものではなく誰もが日常生活で普通に働かせている程度のものです。ところがこの２つは、芸術を見極めるには、必須の条件だったのです。

2つの極意を知るだけでも、あなたの鑑識眼がレベルアップします。

あなたは絵画を “見る” こと自体が創造的な行為だということに気づいていますか。

絵を ”描く” ことだけが創造的行為なのではありません。

実際は、「見る（観る）」という行為そのものが創造的行為と言えるのです。

これを説明するには、まず、「見る」という行為の本来の目的を考える必要があります。

人間にとって「見る」とは何を意味するのか。

これを知るには、原初の世界にまでさかのぼってイメージするのがいいかと思います。

ここであなたに、原始人になったつもりで、人間が言葉を持つ以前の状態をイメージしてもらいたいのです。


目の前には、まだ言葉によって分類されていない光景が広がっています。

そんな中であなたが生き残るためには、まず何が必要ですか。

「目の前のものは、生きるに必要なものか、生きる妨げになるものか」

を知ることではないでしょうか。


これを探るには、誰もが「見る」から始めるはずです。

「聞く」「嗅ぐ」「味わう」「触る」の前に、まず「見る」から始めるはずです。

「見る」を通して、受け入れるかどうかを探り、折り合いをつけられるかどうかを考え、今後のために覚えておくのではないでしょうか。


つまり「見る」という行為のいちばん重要な目的は、

「生き残るために、周りの自然との関係を創ること」

だったのです。

その後、見たものをより明確に記憶にとどめたり、分類したりするために、絵を描き出す者が現れたと考えられます。

ですから私は、絵というものはあくまでも、この「見る」という行為を補う工夫として始まったのではないかと考えています。

その後言葉を持った人間は、目に映るものを言葉に置き換え、コミュニケーション能力をますます発達させてきました。

でもそれと引き換えに、「見る」という行為を創造的に使う必要がなくなってきたわけです。


今回の話は、そんなことを頭においた上で聞いていただけたらと思います。



ちなみに私が絵を描く第一の目的は、自分の「内的世界」と「目に見えるものを成り立たせている目に見えない世界」との間につながりをつけることです。

このとき私は、「見る」ことを通して「私」と「周りの自然」との折り合いをつけようしています。

これは、「私」と「周りの自然」との関係を創ることです。





今回は前置きが長くなってしまってすみません。

それでは、今回のテーマです。

• 『絵を見る行為と創造性の関係』
• 『創造的絵画鑑賞方法』

創造的絵画鑑賞方法に関しては、実践方法も紹介しています。

絵画を見る行為と創造性の関係

絵画を見る行為は工夫次第で創造的になる

あなたは、”人から与えられた楽しみ” と ”自分で見つけた楽しみ”、どちらの楽しみのほうが長続きしますか。

答えはおそらく ”自分で見つけた楽しみ” のはずです。

”人から与えられた楽しみ”は、一度体験したら十分という人が多いのではないでしょうか。

一方、 ”自分で見つけた楽しみ” は、何度も体験したいと思う人が多いのではないでしょうか。

この差はどこから来るのでしょうか。

その楽しみが自分の心が欲するもので、自分が主体的に望んだものだからかもしれません。

ですが、一番のポイントは、その楽しみがその人にとって創造的なものだからです。

はたから見ていると、同じことをただ繰り返しているように見えても、体験者本人は、「自分なりのこだわりや価値」を楽しんだり、「複雑で微妙な差」を味わったりしているものです。

それはまさに創造的な行為です。

この考え方を絵画鑑賞に当てはめてみます。


『概念伝達型絵画』を観るには、約束事の知識が必要なので、この場合パターンで観ることになります。

『真理追究型絵画』を観るには、造形要素の分析が必要なので、この場合分析的に観ることになります。

どちらの見方も重要ですが、創造的な見方とは言えません。

創造とは、「すでに存在するものどうしの新しい関係を創ることによって、新しい意味を生むこと」と考えられるからです。

あなたが絵を創造的に観るには、まずあなたの絵画に対する関わり方を変える必要があります。

具体的には、

「他人が分類した知識や分析方法といったフィルターを通して絵画を観る」から

「他人のフィルターを通さずに、自分の感性に基づいて絵画を観る」に変える必要があるわけです。

言い換えると、

「他人の目を通して絵画を見る」から

「自分の目で絵画を観る」に変えてみるわけです。


「他人の目を通して絵画を見る」ことは、答えが決まっている問題を解くようなものです。

一方、「自分の目で絵画を観る」ことは、自分で問題を設定して、答えを見つける行為です。

どちらが創造的かは一目瞭然です。

創造的な絵画鑑賞で得られる効果

創造的な絵画鑑賞では、次の２つの効果が期待できます。

1. 何かを生み出す喜びが味わえる
2. 絵画鑑賞の楽しみの持続

1 に関しては、人は誰でも、他人が生み出したものに心から満足することは少ないのではないでしょうか。

なぜなら、他人が自分の好みにピッタリあったものを生み出してくれるとは限らないからです。

でも、自分が主体となって何かを生み出したときは、格別な喜びを味わえるものです。

創造的絵画鑑賞を実践すると、あなたはその喜びが実感できるはずです。

創造的絵画鑑賞とは、あなた自身の感性に基づいて絵を観ることなので、あなたは主体的に行動せざるを得なくなり、その結果何かを生むことになるのです。

それが何かはあなた次第ですが、紛れもなくあなたにしか生み出せないオリジナルな何かです。


2 に関しては、1 からの当然の結果です。

なぜなら、創造的絵画鑑賞を通して何かを主体的に生み出したあなたは、なんら人に影響されることなく、絵画鑑賞の楽しみを自分の意志で自由に持続させることができるからです。

創造的絵画鑑賞法とはなにか

創造的絵画鑑賞法とは、次の２ステップからなります。

１．あなたにとっての絵画の存在意義を自覚する。

２．あなた自身の感性に基づいて絵画を観る。

たったこれだけです。

でもこれがとても重要なので、詳しく解説していきます。

創造的絵画鑑賞法に必要なこと　その1

まず第一に、「あなたにとっての絵画の存在意義」を自覚してもらいます。

これがはっきりしないうちは、主体的に絵を見ることは難しいはずです。

まずは、あなたにとって絵はなんの役に立つのか、どんな意味があるのかをはっきりさせることが必要です。

これを考える前に、一般的に一つの絵に含まれる「絵画の働き」、「効用」などを知っておくと便利です。

以下に、いくつか挙げてみます。

これらの「絵画の働き」は、一つの絵に統合されている場合もあれば、一つの作品が一つの働きに特化している場合もあります。

「あなたにとっての絵画の存在意義」は、これらの働きを参考にして決めてもいいですし、もちろん、あなた自身が思いついた意義から決めてもかまいません。

大事なことは、あなたの本音が反映されているかどうかです。

あなたにとっていちばん重要なことはなにか、いちばん意味のあることはなにか、改めて考えてみることをおすすめします。

これが決まると、あなたの鑑賞態度に一本筋が通り、あなた自身の主体性を維持しやすくなります。

「あなたにとっての絵画の存在意義」を意識し始めると、それがあなたにとって本当に重要なことであれば、脳が無意識にそれに関する情報を集めたがるようになります。

それまでは同じものを見ていても気が付かなかったところに、あなたの求める情報を見つけることができるようになるのです。


もしも「あなたにとっての絵画の存在意義」がなかなか見つからない場合は、次の方法をおすすめします。

それは、

「できるだけ多くの絵画にふれる」

という方法です。

特になんの目的も決めずに混沌に飛び込むのです。

具体的には、ジャンルも時代も作家も決めずに、あてもなく大量の絵を見るのです。

美術館でも画集でもいいのですが、実践しやすい方を選んでください。

あてもなく大量の絵を見ているうちに、なにか引っかかるものがあるかもしれません。

それは、説明できない好みだったり、わけのわからない違和感だったりするかもしれません。

でもそれは、あなたの無意識が拾い上げた、あなた自身も今まで気づかなかった、あなたにとって重要な興味の氷山の一角かもしれないのです。

そんな絵を自分なりに集めてみることをおすすめします。

あなたが絵画に求めているものを自覚するための材料になるはずです。

ぜひ試してみてください。


注意点：

ここで一つ注意すべき点があります。

それは、あなたが絵画に求める絵画の存在意義が、あなたにとっては重要なことでも、それを他人が共感してくれるかどうかは、また別の話です。

絵画鑑賞の場では、あなたにとって重要なことに他人も共感してくれたら、これぞ絵画鑑賞の醍醐味と言えるでしょう。

ですが必ずしもそうなるとは限りません。

自分の好みを追求しても誰とも繋がれないのであれば、少しさみしい気がしますよね。

お互いに好みや価値観の違うものどうしでも、共感し合える点がないものでしょうか。


ご安心ください。

芸術の世界では、好みや価値観を超えて共感し得る点が、実は存在するのです。

特に絵画に関しては、「画家の個人的な目的や鑑賞者の好みを超えた、絵画の真価を見極めるための基準」が存在します。

個人的な ”好み” や ”価値観” や ”目的” を超えたこの基準が、人と人とをつなぐ助けになります。

ですから、あなたがこの基準に特に反対しない限りは、「あなたにとっての絵画の存在意義」をどこまで追求しても、人とつながれる道が絶たれるわけではありません。

創造的絵画鑑賞法に必要なこと　その2

第二に必要なことは、「あなた自身の感性」を自覚することです。

感性は他人と比べる必要もなければ、その良し悪しの基準もよくわからないものです。

感性を磨くということがよく言われますが、良し悪しの基準さえ曖昧なものをどう磨くというのでしょうか。

重要なのは、感性を磨くことではなく、あなたの感性に気づくことです。

誰もが日常生活では無意識に感性を働かせているため、改めて自分の感性を分析することなどあまりないと思います。

ですが、自分で何かを生み出す喜びを得るには、自分の感性を自覚していることは重要です。

ここで改めて、自分の感性を分析し直してみてください。

言語化することが一番効果があるので、可能な限り言葉にしてみてください。

思いがけない発見があるかもしれませんよ。


感性とは、あなたの知識、経験、感情、環境など様々な要素が長年に渡って、複雑に積み重なってできたものですから、たとえ自分のことでもいきなり言葉にはできないかもしれません。

そこで、まずはじめに、「感性に影響を及ぼすと考えられる要素」をいくつか挙げてみましたので、これを参考にして、あなた自身の感性を捉え直してみてください。

※このリストは人によっては、もっと長いものになるかもしれません。
　

創造的絵画鑑賞法の実践

ここでもう一度、創造的絵画鑑賞法の２ステップを確認しておきます。

１．あなたにとっての絵画の存在意義を自覚する。

２．あなた自身の感性に基づいて絵画を観る。

ここまでで、「あなたにとっての絵画の存在意義」と「あなた自身の感性」という創造的絵画鑑賞にとって必要な道具は揃いました。

後は、あなた自身の感性に基づいて絵を観るだけなのですが、それにはちょっとしたコツがあります。

それは、あなたの感性を創造的に働かせるためのコツです。


先程私は、創造の定義を次のように考えました。

創造とは、「すでに存在するものどうしの新しい関係を創ることによって、新しい意味を生むこと」

ですから、「あなた自身の感性に基づいて絵を創造的に観る」とは、「”あなた自身の感性” と ”絵画” との新しい関係を創ること」と言いかえることができるのです。

これからお話するのは、”あなた自身の感性” と ”絵画” との新しい関係を創るためのコツです。

もう少しお付き合いください。

”あなた自身の感性” と ”絵画” との新しい関係を創るためのコツ

これは、つぎの２ステップからなります。

１．あなたの感性に合った絵画を探す

２．その絵画を問題意識をもって観る。

この方法はごくオーソドックスな方法ですが、やり方次第ではあなたと絵画との既存の関係を壊し、新しい関係を創ることが出来ます。

具体的な方法を解説します。

まず、あなたの感性にあった絵画を探してもらいます。

例えば、「あなたにとっての絵画の存在意義」が「心の安定が得られる」ということであれば、あなたが実際に「心の安定」を感じた絵を探してください。

いくつでも構いません。

あくまでも自分の感性に基づいて行ってください。

この時、時代、地域、ジャンル、美術史の知識、様式などを超えて探すことがポイントです。

さらに、他人が分類した知識のフィルターを通さずに探すことがポイントです。

「自分の感性にあった絵画」が見つかったら、次は、「その絵画を問題意識をもって観る」段階です。

方法は簡単です。

先程の例で言えば、「なぜこの絵は、私の心を安定させるのか」というような問題を自分で作り、それを解こうとしながら観るのです。

どんな問題を作るかは、あなた次第です。

自由にやってみてください。

この過程を通して、あなたと絵画との間に新しい関係ができてくるのです。

この新しい関係は、きっとあなたにとって新しい意味を生むはずです。


いかがでしょうか。

特になんの変哲もない方法と思われるかもしれませんが、実際にやってみると効果抜群ですよ。

ぜひ、試してみてくださいね。



最後に、この章の冒頭であげた「創造的絵画鑑賞法」の２ステップをもう一度確認しておきます。

注意：「あなた自身の感性に基づいて絵を観る」とは、”あなたの感性” と ”絵画” との新しい関係を創ることです。

具体的方法は、「あなたの感性に合った絵画を探し、問題意識をもって観る」です。


補足：「あなた」と「絵画」の新しい関係を他人と共有できたら、絵画鑑賞はさらに有意義で楽しいものになるはずです。

もちろんいつもうまくいくとは限りません。

ですが、たとえ他人がすぐには共感してくれなくても、次のことを試す価値はあります。

それは、他人にとっての絵画の存在意義（他人にとって重要なこと）を考えるのです。

あなたが特定の誰かを想定して、”その人にとって重要なこと” や、”その人と共感しあうにはどうすればよいか” などを考えるのです。

この時あなたは、自分を基準にものを考えることから離れ、人の立場に立ってものを考えるわけです。

人の立場に立ってものを考えると言っても限界がありますが、少なくともその瞬間は自分の世界から出ている状態にあるわけです。

”自分を基準にものを考えない” を実践すると、次のような効用があります。

• 自分の思考の癖を変えられる。
• 自分では思いもしなかった発見をする。
• 分析能力が身につく。

ぜひ試してみてください。



今回は、絵を見る行為が創造的な行為だということを知っていただくために、「創造的絵画鑑賞法」を紹介しました。

これは、ほんの一例ですが、「見る」という行為は工夫次第でいくらでも創造的になるものですから、この方法をきっかけに、今度はあなた自身でオリジナルの方法を考えてみてください。

最後に一言

もしあなたが絵画鑑賞を通して何かを生みだす喜びや持続する楽しみを求めているのなら、ぜひ「創造的絵画鑑賞法」を試してみてください。

「創造的絵画鑑賞法」とは、あなたにとっての絵画の存在意義を自覚して、「あなた自身の感性」と「絵画」との新しい関係を創ることです。

でもちょっとした注意点があります。

それは、あなたの本音を大切にしてもらいたいのです。

人は誰でも、他人の意見の影響を受けることがあります。

もちろんそれ自体は悪いことではありませんが、その影響の程度が、あなた自身の本当の価値観や本音をなくしてしまうほどでは、本末転倒です。

あなた自身の主体性をなくしてしまっては、絵画鑑賞の魅力は半減してしまいます。

あなたの本音は、あなたの主体性、感性、創造性と密接に結びついています。

ですから、くれぐれもあなたの本音を見失わないようにしてください。

そうすれば、「創造的絵画鑑賞法」は、長く持続する楽しみをあなたに提供するはずです。

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芸術を見極めるための必須条件を詳しく解説

芸術を見極めるために必要なのは、たった1つの知識と、たった1つの感覚です。知識といっても、美術に関する書籍や解説書に載っているような知識ではありません。感覚も、特別なものではなく誰もが日常生活で普通に働かせている程度のものです。ところがこの２つは、芸術を見極めるには、必須の条件だったのです。

2つの極意を知るだけでも、あなたの鑑識眼がレベルアップします。

誰かと絵画について話しているとき、自分の好みが相手にわかってもらえないと、少しさみしいですよね。

やはり、絵画鑑賞の楽しみの一つは、人との共有ですからね。

そんなとき、好みを超えた評価基準、つまり、『絵画の真価を見極めるための基準』を知っているとお互いに価値観を分かり合うための助けになります。

表面的にはお互いに好みの違う二人であっても、根底において、「時代や場所や好みを超えた評価基準」を共有していれば、お互いに相手の意見を受け入れやすくなるはずです。

そもそも絵画は、歴史や文化の違いを超えて、そのままで全世界に通用するものではありません。

実際に、西洋の18世紀頃までの絵画は、主に意味を伝えることを主眼とした作品がほとんどでした。

現代の我々がそれらの絵を見るとき、当時の文化的背景に基づく絵言葉や身振り言葉などの約束事を知らないと、当時の画家の意図は我々にはなかなか伝わりません。

また、西洋と東洋とではものの見方や考え方や価値観が違うので、おのずから絵の評価基準も違ってきます。

それでも、これらの事情を超えて、「絵の真価を見極めるための基準」いわば、絵画の試金石を考えることができます。

そこでこの章では、

• そもそも絵画の評価基準とは何か
• 西洋と東洋における絵画に対する考え方の違いとは何か
• 時代や場所や好みを超えた評価基準（絵画の試金石）とは何か
• 絵画の試金石の使用方法

これらについて詳しく解説していきます。

絵画の評価基準とは

評価基準とは、評価されるものが最低限満たされなければならない条件だと言うことができます。

絵画の場合「それが目的にかなっているかどうか」と、「美の基準にかなっているかどうか」が、基本の評価基準です。

絵画の評価基準・その１「目的にかなっているかどうか」

まず、「目的にかなっているかどうか」についてですが、絵画の目的そのものがわからなければ、「目的にかなっているかどうかを判断する」という当たり前の評価さえ出来ないわけです。

そこでまずはじめに、明確に分類できる絵画の目的を大きく２つに分けてみます。

それは、「概念の伝達」と「真理の追究」の２つです。

※この点について更に詳しく知りたい方は、『絵画の良し悪しが気になる方へ、当たり前なのに意外と見落とされている盲点（絵画の目的と影響）』という記事をご覧ください。

「概念伝達型絵画」の目的は、それを見る人に特定の意味を伝えることです。

「真理追究型絵画」の目的は、それを見る人に何らかの良い影響を与えることです。

絵画によっては、これら２つの目的が融合している場合もあります。

いずれにせよこの分類は、絵画の目的を意識するときに、一つの目安として使えます。

絵画の評価基準・その２「美の基準にかなっているかどうか」

次に、「美の基準にかなっているかどうか」についてですが、絵画は、時代や地域に応じて、美の基準に違いが見られることがあるので、すべての絵画を一つの美の基準で評価することが出来ないのです。

特に、東洋と西洋とでは、美に対する考え方の違いがあります。ここを押さえておかないと、見当違いの評価で終わってしまうことがあるので注意が必要です。

そこで、美の基準の地域差について詳しく解説します。

西洋と東洋における美に対する考え方の違い

美の基準の地域差を考える前に、まず世界を大きく西洋と東洋に分けて、絵画の目的に違いがあるかどうかを探ってみます。

先ほどお話した「真理追究型絵画」と「概念伝達型絵画」は西洋にも東洋にもあります。

そして、どちらの地域でも、絵画とは、人間と周りの自然との折り合いをつけるものだ、という点においては変わりありません。

また、美を追求するという目的も同じです。

ところが西洋と東洋とでは、そもそも人が自然をどう捉えるかで、美に対する考え方の違いが出てくるのです。

次の違いに注目してください。

これは、自然環境の違いが、感じ方や考え方の差を生んだと考えられます。


美を追究するという目的は同じでも、美に対する考え方が違うと、当然、評価の基準も変わってくるわけです。

西洋では、普遍性が重視されますが、東洋では、何よりも気韻生動が重視されるという事実も、美に対する考え方の違いからきています。

【注】気韻生動とは、生命力に溢れ、気品が感じられる表現のことです。

次の章では、普遍性と気韻生動について解説します。

西洋で重視される普遍性と東洋で重視される気韻生動

なぜ西洋では「普遍性」が重視され、東洋では気韻生動が重視されたのか少し考えてみます。

まず、人の「ものの考え方」や「感じ方」に大きな影響を与える要素をいくつか挙げてみます。

• 自然環境
• 生活環境
• 国家間の対立と交流といった歴史
• 宗教観

この中でも、美術品を作るにあたって一番大きな影響を与えるものは、自然の捉え方です。

そもそも、西洋と東洋における自然の捉え方の違いが、美術品の制作に大きく影響しているのです。



西洋にとって自然は、克服すべき対象です。そんな自然に秩序を与えることで美を創造する、という考え方が主流です。

自然に秩序を与えるときに、その正当性を求める一番の拠り所になった基準が、普遍性（自然法則）でした。

さらに、異民族どうしの交流のためには、お互いの文化的背景を知らなくても伝わる尺度（普遍性）が必要だったとも考えられます。

いずれにせよ西洋の自然の捉え方は、誰にでも説明できることを目指したものですから、どこででも通用するものになるという強みがあります。



一方東洋にとって自然は、人がコントロールすべきものではありませんでした。

自然は、その中で人間が生かされている世界です。

ですから、画家が美を創るときに必要なのは、普遍的な自然法則ではなく、彼がどれだけ自然を受け入れる受容体になれるかということです。

東洋では、自然を受け入れた画家が、その生命力を気品のある生き生きとした表現で捉えると、そこに必然的に美が生まれると考えました。

これを「気韻生動」と呼び、美術品の真価を見極める基準にしてきたのです。



このように、西洋と東洋とでは、美を追求するという絵画の目的は同じでも、自然の捉え方の違いから、「評価の基準」そのものが違ってくる、という事情があることを押さえておいてください。

補足：

ここでちょっと整理しておきます。

絵画の評価基準は次の2つです。

• 目的にかなっているかどうか
• 美の基準にかなっているかどうか

絵画の目的は、大きく分けて次の3つです。

• 美の追求
• 真理の追求
• 概念の伝達

西洋と東洋での美の基準の違いは、次のとおりです。

• 西洋の基準＝普遍性の実現
• 東洋の基準＝気韻生動の実現

我々が何かを評価するとき、まず、それが目的にかなっているかどうかを見極めることが基本です。

ところが絵画の場合、その目的そのものを明確に意識して、評価する人はあまりいません。

ましてや、その目的に応じて評価基準を変えて評価する人などほとんどいません。

そもそもほとんどの鑑賞者は、絵を観るたびに、いちいち絵画の目的を意識することなどないはずです。

でもこれでは、何をどう評価していいのかわからなくなるのは、当たり前です。

もちろん、評価など気にせず、好みの絵を自由に見るだけでしたら絵画の目的など気に掛ける必要もありません。

でももしあなたが、絵画の真価を見極めることに興味があるのでしたら、次のことを知っておいてください。

• 絵画は目的に応じて評価基準を変える必要がある。
• 西洋と東洋とでは、美の基準が異なる。

これは、絵画の真価を見極めるための基本です。

しかも、このことを知っているだけでも、他の人と評価が違ったときや、他の人と価値観を共有したいときなど、お互いに誤解を避けられるはずです。



次の章では、時代や場所や好みを超えた、絵画の評価基準である試金石についてお話します。

絵画の試金石とは

絵画の試金石とは、「時代や場所や好みを超えた絵画の評価基準」だということが出来ます。

では、「時代や場所や好みを超えた絵画の評価基準」とはどんなものでしょうか。



それは、絵画がその「本来の目的」に適っているかどうかを見極めるための基準です。

なぜなら、絵画の「本来の目的」のみが、時代や場所や好みを超えて、評価できるものだからです。

それでは、絵画の「本来の目的」とは何でしょうか。



ここからの説明は、画家である私自身の経験や感覚を踏まえての話になります。



画家は本来、自分と周りの自然との間に折り合いをつけるために絵を描いています。

これが絵画の「本来の目的」です。

もっと詳しく言うと、画家の「内的世界」と「目に見えるものを成り立たせている目に見えない世界」との間に繋がりをつけるために絵を描いています。

そのための手段が造形要素（線、色、形など、）です。

画家は、「内的世界」と「目に見えるものを成り立たせている目に見えない世界」との境目に色が存在すると感じています。

そして、この色の対立関係が解消されたとき、つまり、対立する色の力どうしが、互いに損なうことなく支え合っているという関係になったときに、画家は、自分と周りの自然が繋がったと感じるのです。

ですから、「対立関係の解消」こそが、時代や場所や好みを超えた絵画の「本来の目的」といえます。

ここで、絵画の試金石を定義しておきます。

定義
作品の真価を見極めるための基準で、画面上の対立関係が解消されていること。
普通の評価基準との違いは、時代や場所や好みを超えた基準であること。

補足：

ここまでの間、「対立関係の解消」というフレーズを何度か使ってきましたが、ここで、対立とは何と何の対立かについて具体的に説明しておきます。

画家が絵を描き始めるとき、実は様々な対立に直面します。

この対立関係を解消しない限り画面は対立関係で溢れたままです。

それでは、画家が解消しなければならない対立関係をいくつか上げてみます。

• 造形要素（線、色、形など）どうしの対立。
• 構図間の対立。
• 物質としての支持体（紙やキャンバスなど）と画材（絵の具や鉛筆など）との対立。
• 描かれているものと描くために使われた素材との対立。
• 描かれているものと描き方との対立。
• 画面としての支持体と造形要素（色、線、形、など）との対立。

画家が画面に色や線を置くたびに、対立関係が発生し、画家はその都度対立関係の解消を試みます。

これが、絵を描くということです。

試金石の使い方

試金石を使って絵を判定する方法

まずはじめに試金石の定義を繰り返させてください。

定義
作品の真価を見極めるための基準で、画面上の対立関係が解消されていること。

試金石を使って絵を判定するとは、画面上の対立関係が解消されているかどうかを判定するということです。

では実際に、画面上の対立関係が解消されているかどうかを判定するには、絵画の何をどう見れば良いのでしょうか。

方法
画面全体を一つのまとまりとしてみることができるかどうかに注目する。

ばらばらの要素を集めただけでは絵画にはなりません。

造形要素が互いに関連しあって、それらが全体で一つのまとまりを作って初めて絵画になるのです。

この「全体の統一感」こそが対立関係が解消されているかどうかを判定するためのポイントになります。



ここで、全体の統一感がわからないという方は、次の方法をおすすめします。

方法の補足１：
画面上の人物や植物や建物などを観るときに、そこに使われている色や線そのものだけに注目する。

つまり、名前のついた対象としてではなく、色そのものを見てください。

ある特定の対象をかたどっている輪郭線としてではなく、線そのものを見てください。

このとき、色そのものや線そのものの以下の点に注意してみてください。

• 色の状態（濃淡、面積の大小、筆触、彩度の具合、明度の具合、）
• 線の状態（強弱、濃淡、曲がり具合、はっきりしているかどうか、均一かどうか）

これらの点に注目すると、画家が対立関係を解消するために造形要素をどう扱ったかがわかってきます。

方法の補足２：
色、線、形どうしの対比に注目する。

あなたは次の事実をよくご存知だと思います。

「色は、その隣に置かれた色の違いによって見え方が変化する」

この事実は次のことを証明しています。

• 色は、単独では成り立たない。
• 色は、常に対立しあっている。

画家は、色のこの性質を常に感じながら画面を創っています。

画家は常に、どこにどんな色をどのくらい置けば他の造形要素との対立関係が解消されるかを考えます。

画家は常に、隣り合う様々な造形要素どうしが、互いに取り替えが効かないものどうしのように支え合っている状態を探しています。

ですから、造形要素どうしの対比に注目してもらいたいのです。




更に奥の手を紹介します。

それは、画家が対立関係を解消するためにどんな工夫をするかを、あらかじめ知ることです。

実際に画家が使う具体的な方法を挙げてみます。

（ただし、これから挙げるものは言葉で説明できる範囲の方法です。実際の制作では、無意識の要素も絡んで来るので、より複雑になります。）



画家が対立関係を解消するためにする工夫。

• 画面上の異なる場所で、同じ色や形を繰り返すことで、造形要素を相互に関連付ける。
• 画面上の異なる場所に互いに呼応し合う形を置くことで、造形要素を相互に関連付ける。
• 画面上の互いに途切れたいくつかの線が、画面全体で一つの大きな想像上の線の流れ（方向）になるように、対象を配置する。
• 画面全体で、色のあり方や線のあり方のバランスをとることで、全体の統一感を実現する。

画家は、初めから計算した上でこれらの方法を使うわけではありません。

画面を創っていく過程で、感じるところに従って、その都度適切な方法を使うわけです。



ここでもう一度、試金石を使って絵を判定する（画面上の対立関係が解消されているかどうかを判定する）には、絵画の何に注目すれば良いかを繰り返します。

方法
画面全体を一つのまとまりとしてみることができるかどうかに注目する。

画面全体の統一感は、造形要素の対立関係が解消されて初めて実現します。

造形要素を見ることに慣れてくると、絵を見たときに、造形要素が互いに関連しあって、全体として一つのまとまりを作っていることに真っ先に気づくようになります。

対立関係が解消されている実例

例えば、主に線で構成された絵（版画やデッサンなど）を観たとき、画面全体で対立関係が解消されていると感じられる作品は、無駄な線が一本もないという印象を与えます。

そのような作品は、画面上のある部分を隠すと、全体のバランスが崩れてしまいます。

それは、どの部分も全体と関連しあって、一つのまとまりを作っているからです。



下の図版は、レンブラントの『キリストの説教（百グルデン版画）』です。

部分拡大図を見てもらうと、無駄な線が一本もないことに納得してもらえると思います。

試しに、どこか先の一部を隠してみてください。

一気に全体のバランスが崩れてしまうはずです、

もう一枚是非見てもらいたい作品があります。

レオナルド・ダ・ヴィンチの『聖アンナと聖母子』です。

レオナルドの作品の場合、これまでお話した造形要素（線、色、形など、）そのものに注目しても対立関係の解消の工夫が見られるわけではありません。

その訳は、彼は造形要素の見た目を調整することで対立関係を解消するという方法を使わないからです。

彼の方法は、画面全体のすべての対象の存在感を同格にすることで、画面全体の統一を図るというものです。

実際に彼の作品を見て驚くことは、画面上のどの部分の存在感も同格だという事実です。

文字どおり、どの部分もです。

これは、実際に作品を見てもらうのが一番です。

まず、この作品の三人の人物群に注目してください。

彼女たちは地に対する図でもなければ、背景に対する形でもありません。

この作品では、「人物」も背景の「自然風景」も全く同格である、という点に注目してもらいたいのです。

さらに、細部と全体の関係にも注目してください。

レオナルドの細部は、細部のための細部ではありません。

この作品の細部は、「全体との関係における細部」として存在しているのです。

もしも、全体から分離している細部を整えすぎると、生気のない硬直した作品になってしまいます。

ところがこの作品では、細部だけが浮き上がるということは決してなく、細部は常に、全体との関係において存在し、全てが生き生きとした存在感を放っています。

一つの例として、聖アンナの左足の脇に転がっている石に注目してください。

驚くべきことに、石ころと三人の人物は、同格の存在感を持っています。

レオナルドは、それらを同格に扱ったのです。

それでいて、全体としてなんの違和感も感じさせることなく、画面全体で完璧な統一感を実現しているのです。

画面全体の統一感が実現されている、最上の例を挙げてみました。

しつこいようですがここでもう一度、試金石を使って絵を判定する（画面上の対立関係が解消されているかどうかを判定する）には、絵画の何に注目すれば良いかを繰り返します。

方法
画面全体を一つのまとまりとしてみることができるかどうかに注目する。

まとめ

近代以降、絵画の目的が曖昧になりました。

画家が意味の伝達から開放されて以来、絵画の目的が画家次第になったことが原因です。

でもそもそも絵画は、人間が周りの自然との折り合いをつける（対立関係の解消）ためのものです。

このような絵画の基本的な機能に立ち返って考えると、絵画の本来の目的とは、対立関係を解消することと言えます。


「社会から明確に要請された目的がない以上、絵画の目的は人それぞれでも構わない」という考えもあると思います。

ですが、絵画の「本来の目的」があったからこそ、絵画の歴史はこれまで続いてきたのです。

絵画の「本来の目的」は、画家の ”個人的な目的” や ”鑑賞者の好み” を超えたものです。

そして、絵画の「本来の目的」を評価する基準も間違いなく存在します。

今回は、その基準を「試金石」と呼び、他の基準と分けて考えました。

絵画の試金石とは、絵画の真価を見極めるための基準で、絵画がその「本来の目的」に適っているかどうかを見極めるための基準です。

具体的には、画面上で対立関係が解消されているかどうかです。

今回紹介した試金石は、鑑賞者どうしが、個人的な目的や好みを超えて共感し合うための基盤となる重要な基準です。

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2つの極意を知るだけでも、あなたの鑑識眼がレベルアップします。

絵画におけるデフォルメに疑問を持ったり、不思議に思ったり、不自然さを感じたりしたことはありませんか。

もしもあなたが、デフォルメは理解しにくいものと感じていたのだとしたら、それは大きな勘違いです。

デフォルメは日常生活で誰もがやる行為と大きな共通点を持っています。

例えばあなたが本を読んでいて、自分にとって大事な文章に出会ったら、アンダーラインを引いたり、キーワードを囲んだりするのではないでしょうか。

これは、自分の印象を後に残す行為で、誰でも普通にやることだと思います。

デフォルメを使う画家も同じです。画面上で、見る人に印象を残したい部分や、注目してもらいたい部分がある場合、元の形を変形させて誇張するわけです。

これがデフォルメの基本です。

でも、画家の表現は自分だけわかればいいというものではありません。人に伝えることを前提としています。それには、画家と鑑賞者との間に、ある程度の知識や約束事の共有が必要になってきます。これがないと、なかなか人には伝わりません。

そこで今回は、画家がよく使うデフォルメを大きく２つに分類してそれぞれの定義、効果、実例についてお話します。

「写実的に描かれていない絵は、全てデフォルメである」という考えもあるかもしれませんが、今回は、画面上の重要な部分のデフォルメについてお話します。

もしもあなたがデフォルメを捉えにくいと感じていたなら、この知識を知れば、その歯がゆさが解消され、自分の鑑識眼に自信が持てるようになるはずです。

意図的なデフォルメ

少し細かい話ですが、デフォルメは何かの形の誇張や変形ですから、論理的には元の形があることになります。

この元の形は、この世に存在するものと考えて話を進めます。

定義

画家が、形を通して特定の意味を伝えたいとき、元の形を「変形」したり「誇張」したりすることがあります。
これは、大事な点を強調したり、形に象徴的な意味を持たせたりするための工夫です。

これが、意図的なデフォルメです。

実例

10世紀頃の写本挿絵によく見られます。写実絵画におけるデフォルメの実例よりもわかりやすいと思います。

下の図版は、『オットー３世の福音書』より、「ペテロの足を洗うキリスト」です。一見、子供が描いたかと思われるような素朴で単純な図柄は、写実画とは言い難いものですが、意味の伝達を最優先した当時の画家たちは、対象を写実的に描く意義を感じなかったはずです。写実にこだわると対象の自由な配置ができにくくなり、そのせいで意味が伝わりにくくなるからです。

それでは、この絵に見られる主なデフォルメを挙げてみます。

• 現実世界の枠組みとしての遠近法的空間が、天上世界を象徴する金色の空間に変化しています
• 精神的行為を強調するために、登場人物たちの肉体的現実が否定されています。
• キリストの長い右腕と、ペテロの長い両腕が、二人の間でかわされた会話を象徴し、この絵の焦点になっています。
• この絵のテーマにとって重要ではない８人の弟子たちは、キリストや聖ペテロに比べて小さく描かれ、狭い場所に押し込まれています。

このように、「意味の伝達」を一番の目的とする絵画では、「意図的なデフォルメ」はなくてはならない表現手段です。

補足：

意図的なデフォルメの他の実例として、単純化によるデフォルメを紹介します。これは、彫刻でよく使われる表現手段です。

定義

いちばん重要な部分への注意が妨げられないように、他の部分を単純化するという方法です

実例

下の図版は、『アブ神殿出土の神像　アブ神と母神』です。

最も背の高いのが、アブ神、次に高いのが母神と言われています.

これらの像を見てすぐに気がつくのは、大きく見開いた目です。ひと目で、目に大きな意味が込められていることがわかります。神官や礼拝者は、目を通して神と交信すると考えられていたのでしょうか。目は、神の領域と人の領域をつなぐ窓なのでしょうか。いずれにせよ最も重要な目への注意が妨げられないように、体や顔が、円筒形、円錐形といった幾何学的形態によって単純化されています。

この方法は、強調したい部分を変形するだけでなく、その部分へ注意を集中させるため、それ以外の部分を「単純化」したわけです。

必然的なデフォルメ

意味の伝達を重視する画家がよく使うデフォルメ（意図的なデフォルメ）とは異なり、真理の追究を重視する画家が、造形要素を扱う過程で、元の形を変形せざるを得ないと感じて行うデフォルメがあります。

元の形を変えざるを得ないとはどういうことでしょうか。

まずは定義してみます。

定義

絵画の自律性（「絵画は現実の再現ではなく、それ自身ひとつの独立した世界である」という考え方）を制作の指針にしている画家にとっては、造形要素（色、線、形など）の対立関係をどう解消するかが大きな課題になります。なぜなら、画面というひとつの独立した世界では、秩序（画面上で対立関係が解消されている状態）が必要だからです。

彼が目指す対立関係の解消とは、画面に「色」や「線」や「形」を置いていくとき、それらの対立する力どうしを互いに損なうことなく支え合っているという関係にすることです。
でもこのとき、対象の実際の「色」や「形」に従っていては、それが実現できない場合があります。

つまり、対象の忠実な再現よりも対立関係の解消を優先させると、対象の輪郭を犠牲にせざるを得なくなったり、実際に目に見える色とは異なる色を使わざるを得なくなったりするのです。

これが、必然的なデフォルメです。

抽象的な説明になってしまいすみません。

実例

マティスの絵画に見られるデフォルメはこれの典型です。

マティスは、色、線、形といった造形要素どうしの対立関係の解消を生涯追究し続けた画家です。

彼の制作方法は、「色や線や形を画面に置くたびに引き起こされる対立関係を、その都度解消し続けていく」というものでした。

このことは、彼自身が残した制作過程の記録を見るとよくわかります。

下の図版は、マティスの『緑の筋のあるマティス夫人の肖像』です。

この絵を見て誰もが気になるのが、顔の真ん中に置かれた緑の筋です。彼はこの緑の筋で、画面全体の造形要素どうしの対立関係を解消すると同時に、画面全体の統一感を実現しています。
試しに、緑の筋を何かで隠してみてください。画面は一気にバランスを崩します。
顔の左右の色の違いが、対立したままの状態になり、背景の３色の色面はバラバラになります。

マティスは、夫人の顔に緑の筋が見えたからそれを描いたのではありません。
画面全体の対立関係を解消するために緑の筋を描かざるを得なかったのです。

このように、「絵画の自律性」を目指す画家や、「真理追究型絵画」を描く画家にとっては、「必然的なデフォルメ」は重要な表現手段です。

注意：

一つ注意してもらいたいことがあります。それは、デフォルメのように見えて、実は違う表現があるのです。

代表的な画家はパウル・クレーです。

彼は、「絵画の制作は、自然界の創造に近い」と考えた画家です。

クレーの作品でおなじみの、まるで子供が描いたかのような飾り気のない単純な形は、自然をデフォルメしたものとしてみると理解できません。

実は、彼が描く色や線は、自然からの「抽象」や「単純化」や「デフォルメ」ではないのです。
彼の線は、いわば自然発生的に生まれたというべきものです。
実際彼の絵は、今この瞬間に生まれて、目に見えるようになった、という印象を受けます。

彼の制作方針は次のようなものです。

• 「色」や「線」が本来持つ力（創造力）を損なわず、それを保つこと
• 「色」や「線」が本来持つ力（創造力）を発揮させるには、点から始める必要がある。
  つまり、「色」や「線」が、性質を持ったり、形になったりする前の状態から始める必要がある。

彼は、目に見えるものを支えている、目に見えない現実（原理）を、目に見えるようにしようとしたのです。

ですから彼の描く色や線は、いま新たに、何かが創造された。と感じさせるものになったのです。

まとめ

意図的なデフォルメは、よりわかりやすく意味を伝えるための工夫です。
その方法は、意味を伝えたい部分を変形して強調する、というものです。

必然的なデフォルメは、画面上の対立関係を解消するための工夫です。
その方法は、造形要素（色や線や形など）どうしの対立関係を、互いに損なうことなく支え合っているという関係にする、というものです。


「意図的なデフォルメ」は、元の形を変形させる、というイメージです。

「必然的なデフォルメ」は、元の形からどうしても外れる、というイメージです。


これらの違いがどこから生まれるかというと、「意図的なデフォルメ」は、意味を伝えることが主な目的であるのに対して、「必然的なデフォルメ」は、対立関係の解消が主な目的だからです。


18世紀頃までの絵画の主な役割は、意味の伝達でしたから、「意図的なデフォルメ」が使われる例が多いようです。それ以降は、絵画の自律性を目指す画家が出てきたため、造形要素が注目されるようになります。
このような絵画では、「必然的なデフォルメ」がよく使われます。


時々、概念の伝達と真理の追究が融合している作品もありますが、これら2つの融合は、表現の曖昧さを招きます。ですから、意図的なデフォルメと必然的なデフォルメの併用は、画面をわかりにくいものにします。

デフォルメは画家にとって重要な表現手段の一つですが、画家と鑑賞者との間に、ある程度の知識の共有がなければ、伝わりにくい表現手段とも言えます。



今回の話は、あくまでも画家の立場から、デフォルメをどう考えているかについてお話しました。
立場の違う方たちからは、また違った考え方が出てくるかもしれません。
画家の考えは参考程度にしてもらって、実際あなたが絵を見るときは、あくまでも、あなた自身の感性に基づいて自由に絵画を楽しむ事を忘れないでください。
絵画は、それを見る人のためのものですから。


今回の話が、あなたの自由な絵画鑑賞を妨げないことを願っています。

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2つの極意を知るだけでも、あなたの鑑識眼がレベルアップします。

絵画にしかできないことってなんでしょう。この問は、絵画の存在意義にも関わることなので、少しお話したいと思います。

まず始めに、予備知識として次の二点を抑えてください。

１．言葉で言えることは絵画本来の仕事ではない

２．絵画は本来見るためのもの、見て何かを感じるためのもの

１．に関しては、「言葉による説明不足を絵で補う」、という使い方があります。聖書の物語の図解や、小説などの挿絵などがその例です。この場合、絵画は説明のための補助手段として使われています。でもこれは、絵画本来の仕事とは言えません。

絵画でも、彫刻でも、造形手段と内容が一致しているかどうかが、一つの評価基準になりますが、造形手段である色、線、形などを使うにあたって、それらにできないことを無理にさせると、必ず歪んだ表現になります。例えば、色や、線や、形に、何か話せと言ったところで、無理な話です。ところが案外これに近いことをやろうとしてしまうこともあるんです。

２．に関しては、これが絵画の基本です。画家が、意味を伝えることに力を入れていた近代以前の作品であっても、印象深い作品は、視覚を通して感覚に訴える力の強い作品です。

以上の二点から、絵画にしかできないこととは、『色、線、形、といった造形手段が本来持っている力を充分に発揮させ、視覚を通して感覚に訴えること』と、ひとまず言うことができます。

上記の定義を詳しくお話します。

色、線、形、をどう考えるか

「視覚を通して感覚に訴えるもの」を作るとき、造形要素としてふさわしいのは、言うまでもなく色、線、形です。

でも、色、線、形、を「何か意味のある形を作るための手段」として使うのではなく、「色、線、形が形象化する以前の状態」を保つことのほうが重要です。

この状態のときにこそ、色、線、形、が本来持つ力を充分に発揮させることができるからです。

他の言い方をすれば、「色、線、形、に余計なことをさせない」ということです。つまり、「何かに似せるために、色や線を必要以上に使ったり、何かの輪郭を線でなぞったりしない」ということです。

画家は、絵画にしかできないことを考えるとき、色、線、形、をこのようなものとして考えます。

視覚を通して感覚に訴えかけたいこととは

画家が何よりも目指すことは、対立関係の解消です。
この、対立関係が解消した感覚を、視覚を通して伝えたいのです。

対立関係の解消とは、画面上での色、線、形、の複雑な対立関係を、「互いに損なうことなく支え合っている」という関係にすることです。

色、線、形が、「意味の伝達」や「物の形の再現」に使われずにすむなら、つまり、色、線、形を形象化以前の状態で使えるなら、対立関係の解消を実現しやすくなります。

その代わり、表現は抽象的になり、絵画に再現性を求める方にとっては、わかりにくいものになってしまいます。

今回の話は、抽象的な説明になってしまい、わかりにくかったと思います。すみませんでした。

まとめ

写実的な絵を描く画家も、抽象絵画を描く画家も、色、線、形という同じ造形手段を使いますが、それらを、何かの目的のための二次的な手段として使うか、それら自身が本来持っている力を充分に発揮させることで、対立関係の解消に特化した表現を目指すかは、人それぞれです。

ただ、絵画にしかできないことを考えた場合、次の定義が結論になります。

『色、線、形といった造形手段が本来持っている力を充分に発揮させ、画面上　”対立する力どうしが、互いに損なうことなく支え合っている”　という関係を実現すること』




上の定義を純粋に追求していくと、単調な抽象表現になると思われるかもしれません。
でも、工夫次第では、絵画の特性である重層性を保つことは可能です。
重層性については、また別の機会にお話したいと思います。

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芸術を見極めるための必須条件を詳しく解説

芸術を見極めるために必要なのは、たった1つの知識と、たった1つの感覚です。知識といっても、美術に関する書籍や解説書に載っているような知識ではありません。感覚も、特別なものではなく誰もが日常生活で普通に働かせている程度のものです。ところがこの２つは、芸術を見極めるには、必須の条件だったのです。

2つの極意を知るだけでも、あなたの鑑識眼がレベルアップします。

あなたは絵画を見たとき、それを解釈しようとしていませんか。

その絵が何を目的としているのか、何を表現しているのかを読み解くのもいいですが、自分がその絵に何を見るか、何を感じるかのほうが遥かに重要です。

なぜなら、あなた自身の主体性を発揮したほうがずっと楽しいはずだからです。

とはいえ、絵画には目的があり、それが目的にかなっているかどうかは気になるところです。そんなときは、絵画を評価する基準を大きく２つに分けると便利です。

ひとつは、A．『絵画の目的を考慮し、それが目的にかなっているかどうかを評価の基準とします』

もうひとつは、B.『自分の感性に基づいて絵画を見た結果、それが人に良い影響を与えるものかどうかを評価の基準とします』

この２つの基準を使うと、A.は『一般的な評価』になり、B.は『あなた自身の創造的な評価』になるわけです。

そこで今日は、A. B. ２つの基準についてお話します。


まず、A.に関しては、次の２つの知識についてお話します。

この知識は、基本中の基本です。ここをおさえておかないと絵を評価する際に、混乱したり、収拾がつかなくなる事があります。


B.に関しては、自分の感性に基づいて絵画を見ることの重要性についてお話します。


「どのような絵画が人に良い影響を与えるか」については、人それぞれ様々な意見があると思います。参考までに私は、「対立関係の解消を追求した絵画は、人に良い影響を与える」と考えています。




＊絵画の評価基準に関しては、さらに興味のある方は、『絵画の良し悪しが気になる方へ　当たり前なのに以外と見落とされている盲点』を御覧ください。

１．絵画の目的

絵画の目的は、大きく分けて次の２つです。

・絵に意味をもたせて、それを読むというスタイルの概念伝達型絵画
・色、線、明暗、といった造形手段で真理を追求する、真理追求型絵画

以上２つの型の表現方法と、問題点についてお話します。

概念伝達型絵画とは

概念伝達型絵画の表現方法として、

・象徴的な意味が込められた物を描く
・サインランゲージを使い、意味を伝える
・顔の表情や身振りで、感情表現をする

などが考えられます。

これらの方法を駆使して、王の権威付けのための絵画、信仰や教育のための絵画が多く作られてきました。

概念伝達型絵画の問題点

このタイプの絵画では、そもそも「サインランゲージ」、「身振り言葉」、「象徴」などについての知識がなければ意味を読み取れない、という弱点があります。昔は常識的な知識だったとしても、その伝統が永遠と続く保証はないわけです。

真理追求型絵画とは

真理追求型の作品については少し解説が必要です。

そもそも画家は絵画を通して、自分の『内的世界』と『目に見えるものを成り立たせている目に見えない世界』との間につながりをつけようとしています。

つながりをつけるとは、両者の間の本質的な関係を発見することだと感じています。本質的な関係とは、『対立する力どうしが、互いに損なうことなく支え合っている』という関係だと感じています。この関係を、画家は、色、線、明暗を手段として、発見しようとしています。

なぜなら、色、線、明暗は、関係において成り立つ造形要素なので、この性質を利用すれば、本質的な関係を発見できると考えているからです。

抽象的な説明ですみません。この点に関して興味のある方は、誰も教えてくれないし、意外と誤解されている『画家のものの見方』を画家本人が明かすをご覧ください。

真理追求型絵画の問題点

あなたはおそらく次の事実をご存知でしょう。

「同じ色でも、その隣にそれぞれ違う色を置くと、受ける感覚や印象が違ってくる」

これは、色が関係において成り立つことを証明する、一つの例です。

画家は、この色の性質を使って、本質的な関係を探って行くわけです。

画家が到達した、最終的に対立関係が解消されている地点を、力の表現の不足、自己主張の不足、緊張の弛緩、と感じる人もいると思います。

ですが、真理追求型の画家が目指していることは、自己主張ではありません。

あくまでも本質的な関係の発見です。

真理追求型の画家は、叙述に関することは絵画の領域をはみ出していると考えています。この点がなかなか理解されにくい点です。

２．東洋と西洋で異なる、自然や美に対する考え方と、絵画の存在意義

以下の表で、大まかにまとめてみます。

すべての絵画がこの分類に当てはまるわけではありませんが、特徴的な差はこのようなものです。

この違いを知っているだけでも、絵画の真意を見間違うことが少なくなります。

３．絵画鑑賞における感性の重要性

絵画鑑賞は、数学のテストのように、すでに答えが用意されている問題を解くことではありません。絵を見ることはそれ自身一つの創造的な行為です。

絵画鑑賞は、自分の感性に基づいて、新しい発見、新しい解釈を生むことも可能な、創造的な行為です。

すでに評価の定まった作品を見るとき、「誰かが分析した評価」に対して共感するのは構いませんが、本当に自分の感性に基づいていなければ、それは共感とは言えません。共感とは、自分の感性を働かせた者どうしの間でしか成り立たないことだからです。もちろん「誰かの分析結果」は、自分の感性に基づいて絵を見ているときでも参考になりますし、自分の気づかない点に気づかせてくれることもあります。

でも、本当の楽しみは、『自分の感性に基づいて新しい発見をしたり、新しい解釈を試みたりすること』ではないでしょうか。

評価の定まらない作品や、現代の作品であればなおのこと、あなたの感性の働かせ方次第で、新しい解釈が生まれる可能性は高いわけです。

そしてその新しい発見や解釈を他の人と共感しあえたら、これこそ、絵画鑑賞の醍醐味です。



『私が信じるのは、私が見ないもの、私が感じるものだけである』

これは、ギュスターヴ・モローの言葉ですが、これはまさに画家の本音です。

画家は基本的に、感じたことを描いています。もしもあなたが、画家が感じたことに興味をお持ちなら、まず、あなた自身の感性に基づいて絵を見ていただきたいのです。あなた自身がその絵をどう感じるかが出発点です。

そうすると、感性を働かせた者どうしである、あなたと画家との間に共感が生まれるかもしれません。もちろんそうならないかもしれません。

いずれにせよ、その理由を掘り下げていくと、あたらしい解釈や発見につながる可能性があります。

４．絵画鑑賞における言葉の重要性

絵を見るだけでも充分に創造的な行為だと思いますが、見て感じたことを他の人と共感しあえたら、より創造的だと思いませんか。

他の人と共感し合うときに助けになるものが、言葉です。

画家が言葉で説明できることをわざわざ絵にする事はありませんが、絵から受ける感覚を言葉で説明しようとすることはあります。

感覚は、実際に同じように感じた者どうしでないと共感しにくいものですが、言葉の影響で感じ方が変わり、共感し合えるようになることだってあります。

「絵は見て感じるものだ。感じることが全てだ。だから、感じられる人だけがわかればいい」などと言ったら身もふたもありません。見て感じることは重要ですが、人の感性には差がありますし、感じるまでの時間にも差があります。

それに、今まで感じられなかったことでも、ある言葉がきっかけで、感じられるようになることだってあります。ですから、感性を働かせるときも、言葉は重要な補助手段になります。

５．感性に基づいて鑑賞する方法

感性を磨く方法を私は知りません。

そもそも感性は一朝一夕に磨けるものだとは思わないからです。

なぜなら、感性は、あなたの「長年の経験」や「日常生活での様々な要素の積み重ね」でできたものだからです。それに、感性は人と比べる必要もなければ、良し悪しの基準もよくわからないものです。重要なのは、感性を磨くことではなく、感性に気づくことです。

方法１．自分の感性を改めて自覚する

方法２．好き嫌いから始める

実際に絵を見るときは、まずは好き嫌いを探すことから始めると、自分の感性を見失わずにすみます。このとき、好きを極めるのも一つの行き方ですが、嫌いに注目すると、自分の感性との衝突を通して、新しい発見をすることもあります。これも試してみることをおすすめします。

６．まとめも兼ねた画家の本音

画家は、ある目的を持って絵を描きます。極力その目的にかなった作品にしようとします。ところが、自分を100%コントロールできないもの事実です。

なぜなら、制作過程で、無意識の領域が関与してくるからです。この点が、一般的な実用品や、サービスとは本質的に異なる点です。

絵画というものが、純粋に目的にかなったものにしにくい以上、画家は絵画を、少なくとも何らかの良い影響を与えるものにしたいと思っています。

特に真理追求型の画家は、自分たちが探し求めている本質的な関係は、人に良い影響を与えるはずだと信じています。

ですが、画家の目的がどうあれ、いちばん重要なことは、絵画は見る人（あなた）のためのものだということです。ですから、あなた自身の感性に基づいて見ることを最優先するべきです。

人がなんと言おうがあなたの感性が感じたのであれば、それを最優先するべきです。

そして、強く感じたことであれば、人の共感が欲しくなるのが人間です。
このとき、言葉の助けを借りながら、人と感覚を共有する。

これこそ絵画鑑賞の醍醐味ではないでしょうか。

ぜひ、この点について、改めて考えていただけたら嬉しいです。

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その原因は、たった2つの極意を知らないからだった！

芸術を見極めるための必須条件を詳しく解説

芸術を見極めるために必要なのは、たった1つの知識と、たった1つの感覚です。知識といっても、美術に関する書籍や解説書に載っているような知識ではありません。感覚も、特別なものではなく誰もが日常生活で普通に働かせている程度のものです。ところがこの２つは、芸術を見極めるには、必須の条件だったのです。

2つの極意を知るだけでも、あなたの鑑識眼がレベルアップします。

絵は基本、見るためのものですから、鑑賞者であるあなたが主体となって、鑑賞方法を決めることが重要です。ですから、あなたがご自分の感性に基づいて自由に楽しく、絵を見ることを、まずは強くおすすめします。でもそれじゃ物足りないという方は、造形要素に注目することをおすすめします。そこで今日は、

• なぜ造形要素に注目する必要があるのか
• 造形要素を評価するとはどういうことか　　
• 具体的にはどうすればいいのか
  

についてお話します。

なぜ造形要素に注目する必要があるのか

造形要素とは、線、色、明暗を基本とする画家の表現手段のことです。

絵を見るとき、最初に、何が描かれているかに注目すると、鑑賞者の個人的で具体的なイメージに左右され, 先入観が入りこむことがあります。

それを避けるためには、造形要素に注目するといいわけです。

なぜなら、最初にこれらに注目すると、何が描かれているかよりもどう描かれているかに必然的に注目することになるからです。

また、好き嫌いを超えた評価をしやすくもなります。


ただし、デメリットもあります。

造形要素に注目するには、ある程度の分析的な態度が必要になりますが、それが行き過ぎると、パターン思考を招き、絵の真意を見落とすことがあるのです。

また、分析ばかりしていると、肝心の感動が薄れてしまいます。この点、注意が必要です。

造形要素を評価するとはどういうことか

造形要素を評価するとは、

「線、色、明暗」が目的にかなった使われ方をしていて、効果を上げているかどうかを評価すること

です。

言葉にすると当たり前の話に聞こえますが、意外と実践しにくいと思います。

その理由は、そもそも絵画を鑑賞するときに、その目的をいちいち意識しながら観る人が少ないからです。

でも、造形要素を評価するときは「絵画の目的」を意識する必要があります。


ここで絵画作品を目的別に大きく2つに分けてみます。

1.概念伝達型
2.真理追求型

概念伝達型の作品の場合、その目的は意味を伝えることですから、画家が伝えたかった意味がよく伝わったかどうかが、評価の基準になります。

線、色、明暗といった造形要素そのものよりも、それによって作られた形や意味のほうが重要です。


一方、真理追求型の作品の目的は、真理の追究です。

ですから、画家が目指す真理がよく伝わったかどうかが、評価の基準になります。

でも、画家の目指す真理がどのようなものかわからなければ、やはり、どう評価していいかわからないですよね。そこで、真理追求型の作品を描く画家が、何を目指しているのかについて少し説明します。

抽象的な説明になることをお許しください。

画家は何を目指しているか

画家が目指していることを説明するには、デザイナーと比べて観るとわかりやすいかもしれません。

一般的には、すでに存在するものを、これまでにない方法で組み合わせることで、新しいものが生まれます。

この点において、デザイナーと画家の違いが出てきます。

• デザイナーの仕事とは……すでに存在するものの新しい関係を創ることで、新しい意味を生むこと
  
• 画家の仕事とは……………すでに存在するものの本質的な関係を発見することで、本質的な意味に気づくこと
  

真理追求型の作品を描く画家は、新しい素材や、新しい表現方法を工夫することはありますが、「新しい意味」を生むことは、仕事の中心ではありません。

本質的な関係を発見すること（真理の追求）が仕事の中心です。

問題は、どうやって本質的な関係を発見するかです。


画家は、「絵画とは空間を自分のものにする行為」だと考えています。

つまり、「内的世界」と「目に見えない世界」との間に繋がりをつけることだと考えています。

ここで言う「目に見えない世界」とは、「目に見えるものを成り立たせている世界」のことです。

画家が絵画でやろうとしていることは、自分の「内的世界」と、「目に見えない世界（目に見えるものを成り立たせている世界）」との関係を「本質的な関係」にすることです。

画家のやり方はこうです。

画家は、「内的世界」と「目に見えない世界」のちょうど境界に色が存在すると感じています。

その色の関係がうまくいくと、「内的世界」と「目に見えない世界」との間に繋がりがつくと感じています。

そしてこのとき、両者の間に「本質的な関係」が実現すると感じているのです。

色の関係がうまくいくとは、色どうしの対立関係が解消されたということです。

対立関係が解消されたとは、『対立する力どうしが、互いに損なうことなく支え合っている』という関係が実現されたということです。



画家は、「内的世界」と「目に見えない世界」の境目に存在する「色」の関係を模索することで、「本質的な関係」を発見しようとしているわけです。

造形要素の評価の仕方

造形要素を評価する基準は、

線、色、明暗などが、目的にかなった使われ方をしていること

です。

真理追求型絵画の目的は、

対立する力どうしが、互いに損なうことなく支え合っている関係（対立関係の解消）を実現すること

です。

この関係が実現している絵画は、画面全体を一つのまとまりとして見ることができます。

絵を観るときに一番注目してほしいことがこれです。

絵画は決して、バラバラの要素を寄せ集めただけでは、成り立たない」という点に注目してもらいたいのです。

これは、写実絵画であろうが抽象絵画であろうが変わりません。

画面全体を一つのまとまりとして見ることができる絵画の特徴をいくつか挙げてみます。

観るときのコツとして、色を観るときは「色がつくる特定の形」を見るのではなく、「色そのもの」を観てください。

線を観るときも、「線がつくる特定の形」を見るのではなく、「線そのもの」を観てください。

そして、それらの色どうし、線どうし、もしくは「色」と「線」と「支持体」の対立関係が、どう解消されているかを見るのです。


対立関係の解消方法として、よく使われる方法として比較的わかりやすいものを挙げてみます。

これらは、よく観察すると見えてきますよ。

まとめ

絵画を鑑賞するとき造形要素に注目すると、先入観に左右されずに、好き嫌いを超えた評価がしやすくなるというメリットがあります。

でも、これが行き過ぎると、絵をパターンで見がちになり、絵に対する純粋な感動が薄れるというデメリットもあります。

造形要素を評価するとは、真理追求型の作品における造形要素の観察を通して、真理の追究が実現しているかどうかを評価することです。

画家の目指す真理追求とは、本質的な関係を発見することで、本質的な意味に気づくことです。

本質的な関係とは、対立関係が解消していることです。

画家は、『内的世界』と『目に見えない世界』の境目にあると感じている造形要素（線、色、明暗）の関係を模索することで、本質的な関係を見つけられると考えています。

これが実現している絵画は、造形要素どうしが、互いに取り替えが効かないものどうしのように支え合っていて、全体を一つのまとまりとしてみることができます。

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絵画鑑賞は好きだけど、絵画の評価に自身が持てないあなたへ

その原因は、たった2つの極意を知らないからだった！

芸術を見極めるための必須条件を詳しく解説

芸術を見極めるために必要なのは、たった1つの知識と、たった1つの感覚です。知識といっても、美術に関する書籍や解説書に載っているような知識ではありません。感覚も、特別なものではなく誰もが日常生活で普通に働かせている程度のものです。ところがこの２つは、芸術を見極めるには、必須の条件だったのです。

2つの極意を知るだけでも、あなたの鑑識眼がレベルアップします。

あなたは、絵画の良し悪しをどうやって決めていますか。
あなた自身の感性に基づいた確固たる基準をお持ちならそれに越したことはありませんが、
次のような疑問をお持ちの方もいらっしゃると思います。　
絵画の良し悪しを決めるのに、

・統一的な美の基準でもあるのか　
・人気や値段はどう関わってくるのか　
・名画として残っている作品を基準にしているのか　
・時代に応じた価値観の変化は関係するのか　

他にも挙げればきりのない疑問があるかもしれません。
でも、今回の話によって、これらの疑問自体あまり意味のないものだということに気づいてもらえると思います。

絵画は何かを伝えるためのものと考えると、
その目的にかなっている絵が、良い絵と言えます。
これが結論です。
この結論を詳しくお話しする前に、絵画の目的を大きく分類しておきます。
なぜなら、目的の違う絵を同じ基準では評価できないからです。

2つの絵画の目的　真理追求と概念伝達

絵画の目的を大きく２つに分けると、真理追求型と概念伝達型になります。


これは大まかな分類ですが、意外と使えるんですよ。


真理追求型は、絵画における真理や、美の追求を目的とした作品です。

絵画における真理は画家によって言い方は変わるかもしれませんが、私の場合、

「目に見えるものは、目に見えないものとの関係において成り立つ」
「現実は、反現実との関係において成り立つ」

と感じています。

この感覚をもとに、

「自分と周りの自然との折り合いをつけること」、
「内的世界と外的世界とのつながりをつけること」

が真理の追求につながると考えています。



概念伝達型は、概念で捉えられることを、視覚情報を通して、よりわかりやすくその意味を伝える絵画のことです。
大きく分けて次の2つになります。

• 『絵に込められた意味を、見る者が読み取る』
  というタイプの作品（近代以前の多くの絵画が、このタイプです）
  
• 『美術の存在意義や、基準を揺るがす』
  というタイプの作品（デュシャンや、ウォーホルの作品がこのタイプです）
  
  

この分類をある程度しておかないと、絵画を評価するとき、全く見当違いの基準で評価するようなことが起こってしまいます。


すべての絵画を一つの統一基準で評価する、という方法もありますが、
過去の作品をそれで評価すると、絵の真意を見落とすことになります。
ですから、絵画を見るときは、これら2つの目的を念頭に置いてください。
絵の真意を見落とすことがなくなります。


ここで先ほどお話した結論を補足します。



絵画を、真理追求型と概念伝達型に分けたとき、
それぞれの目的にかなっている絵が、良い絵である。

どうしても言いたい、プラスαの条件

『真理を追求すること』、『概念を伝達すること』これらの目的にかなってさえいれば、良い絵である。


これで終わりと言いたいところですが、これだけでは、絵にする意味があまり見えてきません。絵画表現との必然性が感じられません。プラスαの条件が必要です。


そもそも絵画は、見るためのものです。デュシャンが、『視覚のためのアート』が『思考のためのアート』になりえることを示したときでさえも、概念の伝達を優先させただけで、見るという行為を否定したわけではありません。『見るという行為を通して感じたこと』をおろそかにしては、絵画は成り立ちません。


画家は、写実画を描こうが、抽象画を描こうが、見たから描いたのです。


たとえ対象やモデルを見ないで描く場合でも、過去に何かを見て何かを感じたから描いたのです。決して頭の中の空想が出発点になることはありません（もしそうだとしたら、絵画は、自然とは関係のないものになってしまいます）。


ですから、『見て何を感じたか』は絵画の良し悪しを決める重要な条件になるわけです。そこで、見て何を感じたら『良い絵』と言いたくなるか、少し挙げてみます。

・目の楽しみになるもの
・心の安定の助けになるもの
・感覚の広がりを体験させるもの
・非日常的な体験をさせるもの
・生き生きとした生命感を感じるもの
・美しいと感じるもの


結構、挙げたらきりがありませんが、

見る人の感性に応じてさらに増えると思います。つまり重要なことは、人に良い影響を与えるものを感じるかどうかです。


これは見た目ではわからない場合もあります。例えば、一見穏やかで美しく、広々とした風景画でも、しばらく見ているうちに、どうしようもない窮屈さを感じて退屈してしまうこともあります。


『見たことを理解する』と、『見て感じる』は違うわけです。ポイントは、『見て何を感じたか』です。


そこで、結論プラスαは次のようになります。


絵画を、真理追求型と概念伝達型に分けたとき、それぞれの目的にかなっている絵で、さらに、「人によい影響を与えるもの」を見て感じられる絵が『良い絵』である。



もうひとつ、魅力的な作品の条件も付け加えておきます。


精神の無意識的領域から生まれた作品は、『魅力的な作品』である。

まとめ

基本、物の良し悪しは、目的にかなっているかどうかです。


絵画の目的は、大きく分けて、『真理の追求』か『概念の伝達』ですから、この目的をよりうまく達成した作品が、『良い絵』です。


ですが、絵画の存在意義を考えると、もうひとつ重要な条件があります。それは、見て感じたことが、人に良い影響を与えるかどうかです。


絵は見るためのものですから、見て感じたことが重要です。
もっと強く言えば、見ることを通してしか感じることができないことが重要です。（これがなければ、画家がわざわざ絵を描く必要もなくなります）


その、見て感じたことが、人に良い影響を与えるなら、それは『良い絵』といえます。


絵を見るとき、その絵が目的にかなっているか、その絵を見て何を感じるか、ちょっと注意してみることをおすすめします。その絵が、あなたにとって『良い絵』になればいいですね。




＊備考

『真理追求型』の作品を残した代表的な画家を挙げておきます。かなり厳選してあります。

レオナルド・ダ・ビンチ
ヒエロニムス・ボス
ジョルジョーネ
パオロ・ウッチェロ
ドミニク・アングル
ギュスターヴ・モロー
ポール・ゴーギャン
アンリ・ルソー
ヴァシリー・カンディンスキー

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絵画鑑賞は好きだけど、絵画の評価に自身が持てないあなたへ

その原因は、たった2つの極意を知らないからだった！

芸術を見極めるための必須条件を詳しく解説

芸術を見極めるために必要なのは、たった1つの知識と、たった1つの感覚です。知識といっても、美術に関する書籍や解説書に載っているような知識ではありません。感覚も、特別なものではなく誰もが日常生活で普通に働かせている程度のものです。ところがこの２つは、芸術を見極めるには、必須の条件だったのです。

2つの極意を知るだけでも、あなたの鑑識眼がレベルアップします。

美術愛好家のあなたなら、絵画を分析的に見ることの楽しさをすでにご存知かもしれません。これは、造形要素の活かされ方や、構図の意味などを知るには必要な態度かもしれませんが、あまり純粋に追求しすぎると、通俗化をまねくことになります。今日は、絵画を分析的に見ることの良い面、悪い面についてお話します。

１．絵画を分析的に見ることは、造形要素に注目することから始まる

造形要素とは、線、明暗、色、に代表される画家の表現手段のことです。



どんな画材を使うにしろ、ほとんどの絵画は、この３つの造形要素でできています。この３つの組み合わせで画家は様々な表現をしてきました。



ただ、絵画を評価する上で、造形要素そのものが注目されるようになるのは、西洋では、近代以降（ロマン派以降）です。東洋では、早い時期から純粋な風景画に近いものがありましたから、絵画を造形的に分析するような評価の仕方は早くからあったかもしれません。



西洋美術館でよく目にする近代以前の絵画は、『画家が絵に意味を込めて、見る者がそれを読む』というのが一般的でした。



時代の流れを少し整理してみます



A.「絵で意味を伝えた時代」の表現方法

1. ものに象徴的な意味をもたせて、それを画面上で組み合わせて意味を伝える
2. サインランゲージや、身振り言葉などを通して、意味を伝える
3. 宗教的、文化的な約束ごと、象徴などを使って、意味を伝える

B.「線、色、明暗などの造形要素の組み合わせで、美、その他を伝えた時代」の表現方法

1. 『線、色、明暗そのものが本来持っている力や効果』を重視して、実際の物の形や色は犠牲にする

Aの時代、絵の意味を読むには、画家と鑑賞者との間に知識の共有が必要でしたが、それが崩れてくるにしたがって、造形要素への注目が高まったわけです。

２．絵画を分析的に見ることの楽しさ

造形要素に注目して、分析的に見ると、デフォルメの秘密がわかってきます。近代以前の「絵で意味を伝えた時代」、極端なデフォルメは殆どありませんでしたが、より効果的に意味を伝えるためには、画面構成の工夫は必要なことでしたから、画家たちは、それぞれ独自の工夫をしました。



例えば、複数の線遠近法を使ったり、線遠近法をわざと崩したりして、空間の圧迫感を克服しようとした例がいくつもあります。



近代以降、特定の意味を伝える任務から解放された画家は、造形要素そのものの効果や力を、意味の伝達よりも重視するようになりました。



このような画家が、例えば肖像画でも、風景画でも構いませんが、実物に似た形を描こうとしたとします。

彼が造形要素そのものを活かそうとすると、形を歪ませたり、実際とは異なる色で強調せざるを得なくなります。

その理由は、造形要素は関係において成り立つものなので、その関係が効果的になるように形や色を画面に置いていくと、必然的に実際の形から外れてしまうからです。これが、デフォルメの秘密です。

絵画を分析的に見ると、デフォルメや、構図のとり方などから画家の意図が見えてきます。これは絵画鑑賞の一つの楽しみですよね。



でも、純粋に分析的な態度は、通俗化に通じる危険があるんです。

３．分析的な態度が行き過ぎると、通俗化をまねく

通俗化は、必ずしも悪いことではありません。世間一般にわかりやすいようにすることは、ある程度までは必要だと思います。



私もブログを通して芸術の通俗化をしている部分もあります。



では何が問題かと言うと、分析的に絵を見ると、人は、その絵が理解できたと判断します。それが癖になると、絵をパターンで見るようになります。パターンで見ることは、世間一般にとってわかりやすくなったことなので、まさに通俗化が進んだわけです。



そうすると、絵の本当の魅力に気づけなかったり、想像力が刺激を受けなかったり、といった弊害が出てきます。



世間一般にとってわかりやすい部分はあったほうがいいと思いますが、芸術は通俗化で終わるものでは断じてありません。一通り理解できたら終わりではありません。通俗化はほどほどがいいと思います。



ここで注目してもらいたいことは、分析的態度は、あくまでも、ものを理解しようとする態度です。ですが、絵画は、『理解できたか、できないか』、『わかったか、わからないか』ではなく、『共感できたか、できないか』が重要です。



絵画を見たときの感動は、共感からくるものがほとんどです。分析的鑑賞はほどほどがいいと思います。



それよりも、あなた自身の感性に基づいて、ただ見る。色々考えずにただ見る。という鑑賞法も意外といいですよ。

まとめ

絵画を分析的に見ることは絵画鑑賞の全てではありません。特に、造形要素を分析的に見てもあまり意味のない作品もあるからです。


例えば、近代以前の西洋では、『画家が絵に意味を込めて、見る者がそれを読む』という作品が多く、画家の第一の目的は、意味を正しく印象深く伝えることでした。それに加えて、造形的にも美しい作品であれば長く好まれたと思われます。そのような作品の造形要素だけを分析しても、それの本当の価値はわかりません。


ただし、ほどほどであれば分析的鑑賞法は楽しいものです。


なぜなら、「デフォルメ」や、「構図」や、「線や色の使い方の分析」を通して、「画家の意図の一端」を垣間見ることができるからです。ですが、分析的態度はあくまでも理解の追求が目的ですから、それが行き過ぎてしまうと、絵を見る感動が薄れてしまいます。なぜなら、感動は、『理解』よりも『共感』から生まれることが多いからです。


おすすめの鑑賞方法は、あなた自身の感性に基づいて、ただ見る。色々考えずにただ見る。という方法です。是非、試してみてください。

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芸術を見極めるための必須条件を詳しく解説

芸術を見極めるために必要なのは、たった1つの知識と、たった1つの感覚です。知識といっても、美術に関する書籍や解説書に載っているような知識ではありません。感覚も、特別なものではなく誰もが日常生活で普通に働かせている程度のものです。ところがこの２つは、芸術を見極めるには、必須の条件だったのです。

2つの極意を知るだけでも、あなたの鑑識眼がレベルアップします。

わかっているようでいて、いざ説明しようとすると案外困る言葉ってありますよね。「愛」、「美」、「真理」など、そういった言葉の典型じゃないでしょうか。とくに「美」について考えるとき、人それぞれの基準がありそうですが、統一基準もありそうですよね。今日は、こんな曖昧にしか捉えられていない『美』について、画家の本音を交えながらお話します。

もしも、『全世界、全時代共通の美の基準』が存在するとしたら、それはどんなものでしょうか。それは、”文化や価値観の違いにも関わらず通用し続けるもので、しかも個人の好みを超えた絶対的な基準”ということになります。そんな基準はかなり考えにくいと思われます。


逆に美の基準は存在しないと考えて、“人が美しいと思うものは,もれなく全て『美』”ということにしてしまったらどうでしょう。


誰にも迷惑をかけない、個人の内面世界でのことならそれで済むでしょうが、社会的な基準が必要な場面ではそうは行かないでしょう。


では、『美の基準』をどう考えればいいのでしょうか。


画家は『美』というものをどう考えているかといいますと、

答えは「よくわからない」です。

全世界の画家に聞いたわけではないので断言はできませんが、画家が本音を話す場合、おそらくこの答えが一番多いのではないかと思います。


『バランスや調和がとれたものの美しさ』や、『黄金率に従った比率の美しさ』など、美の基準として考えられるものはいくつかありますが、画家はそれらの基準をそれほど重視していません。画家は（少なくとも美しいものを作ろうとしている画家の話に限らせてもらいますが）、バランスや調和や黄金率だけで『美』が成り立つとは思っていないのです。

ここから先は、画家としての私自身の考えになりますが、


『美』とは現実を成り立たせている原理と関係があると思っています。



絵画とは、『内的世界』と『外的世界』とのつながりをつけることだと考えています。


『内的世界』と『目に見えるものを成り立たせている目に見えないもの』との間につながりをつけることだと考えています。


このつながりをつけるとは、『対立する力どうしが、互いに損なうことなく支え合っている』という関係を実現することです。この関係が、現実を成り立たせていると考えています。そして、何故かこの関係が実現されたとき、『美』という言葉でこれを表したくなります。


この関係を実現しようとするとき、先ほどお話した、バランスや調和や黄金率といった美の基準だけではすまないことが多いのです。

例えば、生き生きとした存在感を表現するためには、あえてバランスや調和を崩さざるを得ない場合があります。また、複雑で微妙な要素間の、対立関係を解消するとき、法則どおりにいかないことが多いのです。

画家が知っていることは、


１．「既存の美の基準に従いさえすれば美は実現する」とは思っていない。（複雑で微妙なものを実現する場合は、特に法則どおりにいかない）

２．既存の美の基準を使うのは、他に方法がないときに限る。


３．画家は、『美』という言葉で表したくなるものを創るが、それを言葉では説明できない。



以上です。

無理やり言葉にしてきたので、あまりにも抽象的で、わかりにくかったと思います。　すみません。

結局、『美の基準』は存在すると思われるが、それを言葉では説明できない。が結論です。

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